Модернизм: Матисс, Пикассо, Модильяни

живопись модернизма

XX  век стал поворотным в истории человечества.  Социальная и техническая революция изменила сознание людей и вызвала к жизни искусство, которое определяют термином «модернизм». Этим словом принято обозначать целый ряд направлений в искусстве 1-й половины XX века. Среди них — кубизм, сюрреализм, абстракционизм, футуризм, экспрессионизм, фовизм.  Для художников каждого из них характерен отход от реализма, поиски нового изобразительного языка, с помощью которого можно передать мысли и чувства человека нового века. Я предлагаю вам краткий иллюстрированный рассказ об изменениях, которые произошли в мире в начале XX века и о нескольких художниках этого времени: Модильяни, Пикассо и Матиссе, двух направлениях модернизма — кубизме и фовизме. Вы можете посмотреть и скачать презентации об этих художниках и великих изобретениях конца XIX — начала XX веков.

Содержание

  1. XX век — время радикальных перемен в мире и  технического прогресса.
  2. Особенности искусства модернизма
  3. Париж начала XX  века
  4. Амедео Модильяни
  5.  Фовизм и Анри Матисс
  6. Пабло Пикассо и кубизм

Искусство XX века совсем не похоже на искусство предыдущих эпох и многих раздражает. Ведь как привык рядовой зритель воспринимать картину? Мы хотим, чтоб было все, как в жизни: шелк блестел, бархат хотелось погладить рукой, чтоб на пейзаж мы глядели, как из окна своей комнаты. Для многих высшая похвала: «Как живое», хотя художники всех времен преследовали другие цели, нежели создавать двойников существующим людям и объектам живой природы. Первыми, кто заявил о праве художника писать, как видят именно они, были импрессионисты. Следом  за ними создавать миры по свим живописные законам начали многие художники начала XX века, тем более, что жизнь толкала их на изменение языка искусства.


XX век — время радикальных перемен в мире.

С началом нового века мир стал менялся на глазах: рушились старые истины, многие с нетерпением ждали социальную революцию, надеясь, что мир станет справедливее. Надежды возлагали и на революцию техническую. Мысль человеческая работала с удесятеренной силой. Одно открытие следовало за другим: перелет на самолете через Ламанш, открытие радиации, электросвязь, железобетон, теория относительности.
Вот только некоторые достижения науки и техники:

Yes

Подробнее вы можете узнать о великих изобретениях из моей презентации, чтоб посмотреть ее или скачать, нажмите на картинку:

Научные открытия 20 века

Технические достижения впечатляли, но довольно скоро люди увидели обратную сторону прогресса. В начавшейся в 1914 году Первой мировой войне использовались новые виды вооружения: танки, самолеты, тысячи солдат гибли от отравляющих газов. Войны — всегда смерть, но никогда она не была такой могучей и безликой. Человек труда постепенно превращался в винтик огромного механизма. Прежде ремесленник делал изделие от начала до конца, хороших мастеров ценили. В 1913 года на заводах Генри Форда был запущен конвейер. Это позволило сделать труд более производительным, но и ужасно монотонным. Каково было рабочим за гроши изо дня в день выполнять одну и ту же операцию?

Все больше людей уходило из деревень в город. Оторванные от своих корней, многие чувствовали себя одинокими. Пожалуй, такого чувства тоски и одиночества люди не испытывали и в самые тяжелые времена.

А еще  теория Фрейда, которая поначалу вызвала скандал в научных кругах, а позднее определила направление поисков литературы и искусства XX века. Фрейд говорил: наше сознание — это всего лишь тоненькая оболочка, под которой находится страшная, дикая, неизведанная глубина подсознания. И не рассудок, не этические правила, а непонятная стихия бессознательного управляет нашими поступками. С ней нельзя не считаться, когда же свои страхи и темные мысли мы стараемся не замечать, то загоняем их в подсознание, и это ведет к неврозам. Не является ли этот мир бессознательного тоже полноправным объектом искусства?

Особенности искусства модернизма.

Модернизм основные направления.jpg

Что если выплеснуть на холст то, что бушует внутри человека, рисовать не просто портреты или пейзажи, а гнев, смятение, ужас, угрызения совести? Или, напротив, ликование от многоцветия и яркости мира, восторг, страсть.

Художники XX века как раз и пытались изобразить все это, но, естественно, такие картины непохожи на традиционную живопись. Натюрморты, оказывается, могут кричать, на портретах человек предстает с деформированным лицом, словно распадающимся на части. Но разве не так зачастую ощущают себя люди в моменты катастроф?

С другой стороны, если позволить себе погрузиться в эту стихию чувств, постоянно ощущать сложность мира, можно сойти с ума. И тогда маятник идет в другую сторону: «Мир очень прост», — говорят другие художники. — В сущности, все в нем —  это кубы, шары, цилиндры. Все многообразие мира можно заключить в рамки геометрии, а все прочее — лишнее, случайное можно отбросить. Мир прост, как детский рисунок, раскрашенный всего несколькими красками: зеленой, красной, синей — и никаких светотеней, и оттенков.

Между этими двумя крайностями — детской простотой и трагической сложностью метался беспокойный дух XX века. Позднее критики и искусствоведы давали всем этим попыткам и поискам всякие названия, но все они мало что объясняют, потому что ни один мало-мальски талантливый художник не укладывается в рамки какого-то течения, а потом они не думали о теориях, а просто писали то, что чувствовали.

Каждый художник искал свой язык для выражения реалий нового века, но немаловажно, что элементы этого языка они заимствовали не только у своих предшественников — европейских художников. На рубеже веков живописцы открыли для себя первобытное искусство, искусство народов Восточной Азии, Африки, которое смыкалось с магией. Художники были восхищены этими примитивными формами искусства, они пытались понять их тайну.

«Мы должны научиться создавать такое искусство, которое было бы способно излечить человека от зубной боли», — писал Пикассо.  И еще он писал: «Мы не просто исполнители — мы живем свою работу. Беспокойство Сезанна — вот что неодолимо притягивает нас. И муки Ван- Гога — в них истинная драма человека». Так что, критикуя художников начала XX  века, надо иметь в виду, что работали они порой на пределе душевных возможностей. Шагал,  Модильяни, Кандинский, Дикс, Мунк, — часто их уделом были бедность, отчаяние, непонимание, а сегодня за их картинами охотятся лучшие музеи мира.

                      Париж начала XX  века

Давайте мысленно перенесемся в начало XX века. Все самое интересное происходило в Париже, мировой столице искусств, куда съезжались молодые художники со всей Европы: из Испании, России. Америки, Польши. Они искали новые пути в искусстве. Молодые люди селились в самых бедных кварталах, их картины не покупали, хотя торговцы картинами, маршаны, приглядывались к ним и порой, на пробу приобретали какую-нибудь вещицу, надеясь через несколько лет ее выгодно продать.

Чаще всего эти пока не признанные гении селились на Монмартре, его улицы круто поднимались вверх, на холм, и чем дальше от центра, тем сильнее напоминали деревню. Здесь еще возделывались виноградники, за заборами пели петухи, ослики свободно паслись возле домиков, из окрестных ресторанчиков пахло жареным картофелем и бифштексами. Монмартр кормил вкусно за гроши.

Художники селились здесь давно, но подлинной республикой художников Монмартр стал тогда, когда они завладели длинным домом, то ли бараком, то ли сараем, прозванным «Бато-лавуар» — «плавучая прачечная». Именно там жили будущие гении нового века.

Бато-Лавуар.jpg

Амедео Модильяни (1884 — 1920)

На фото крайний слева — Амедео Модильяни, молодой итальянец, приехавший покорять Париж в 1906 году. Перед тем он изучал искусство во Флоренции и Венеции. В Париже Модильяни будет изучать академическую живопись, и, что важнее, впитывать то новое искусство, что создавалось на Монмартре, о котором спорили в кафе «Ротонда» на Монпарнасе.  Моди, как его звали друзья, увлекается Сезанном, знакомится с Пикассо. Его живописные работы уже через год выставляются в Салоне. Одна из них — «Еврейка». Говорят, успеха он не имел, тогда гремели кубисты. Может, в поисках своего пути он начал заниматься скульптурой. Свои статуи Модильяни называл «столпы нежности». Почему возникли эти удлиненные лица?  Влияние готики или искусство Океании и Африки? А одна из легенд о нем говорила, что головы свои он делал из бетонных блоков, которые брал на строительстве метро. Модильяни никогда не комментировал рассказов о себе.

Модильяни.jpg

Но когда в 1913 году ему пришлось бросить скульптуру из-за болезни легких и вернуться в живописи, характерной чертой его портретов стали вытянутые лица на длинных шеях.  Ему позировали прачки, официантки, крестьянки. Узнавали ли они себя в этих утонченных созданиях с печальными глазами и отрешенным выражением лиц, как у  мадонн?

Модильяни

Удивительно: Модильяни был одним из самых ярких представителей парижской богемы, он и его друзья вели жизнь бурную, шумную, порой скандальную. А на его картинах — тишина, сосредоточенность и самоуглубленность. Его герои редко смотрят на нас — скорее сквозь нас. А порой они слепы: у них нет зрачков. Как в «Гамлете»: «Ты повернул глаза зрачками в душу»… Вот так и они словно смотрят себе в душу, равнодушные к внешнему миру. А вот еще цитата из Модильяни: «Когда я познаю твою душу, я смогу нарисовать твои глаза.“ Может, он не писал глаза, если не до конца понял душу человека? Эти слова он сказал Жанне Эбютерн, которая любила его самоотверженно последние 4 года его жизни. Существует около 25 ее портретов, и это самые прекрасные женские образы Модильяни, хотя он вовсе не гнался за сходством. Мы можем сравнить ее фотографию с портретами.

Модильяни Жанна Эбютерн.jpg

Как видим на фото это красивая девушка с роскошными волосами. А на картинах — словно нежный цветок на длинном стебле. Модильяни любил ее, но не мог не понимать, что она страдает. Эта девочка из благополучной семьи ушла к нищему художнику, который не мог обеспечить ей не только благополучную жизнь, но и душевный покой. Однако любовь ее была так сильна, что, когда Модильяни умер от туберкулезного менингита в 36 лет, она назавтра выбросилась из окна, убив не только себя, но и не родившегося ребенка. Об истории их любви есть несколько фильмов. Классика — «Монпарнас 19» с Жераром Филиппом в роли Модильяни.   https://my.mail.ru/mail/kovin.55/video/730/15333.html

Фовизм и Анри Матисс (1869 — 1954).

Существует распространенное мнение, что художники-модернисты просто не умели рисовать, поэтому занимались мазней. Надо сказать, чаще всего они начинали с традиционной живописи и вполне в этом преуспевали, а потом начинали искать новые пути. Это можно ясно увидеть на примере творчества Анри Матисса. Он прожил очень долгую жизнь, успев стать классиком, но, читая о нем, поражаешься, с какой отвагой он не раз и не два сворачивал с хорошей, наезженной дороги на скользкую и крутую тропу первопроходца. Он родился в буржуазной семье, но не хотел заниматься бизнесом, а пошел учиться на юриста. Что ж, отец не возражал. И вот в 18 лет Анри уезжает в Париж в Школу юридических наук, а через год возвращается в родной городок на севере Франции, чтоб делать карьеру служащего. Но в 20 лет ему вырезают аппендицит, и с этим связан решающий поворот в его жизни: от скуки Матисс начал рисовать, и вдруг понял, что хочет этим заниматься всю жизнь. Он снова отправляется в Париж, начинает учиться  академической живописи, копирует в Лувре работы великих мастеров. В 1896 году он выставляет несколько картин в Салоне — об этом мечтал любой художник, причем 2 работы купило государство, из них одну — для Президентского дворца. После такого успеха Анри Матисс стал членом-корреспондентом Салона Национального общества изящных искусств. Неплохо для 27 лет.

Но как раз в это же время он знакомится с картинами импрессионистов, ему дарят два рисунка Ван-Гога, и, отказавшись от коричневатого колорита, свойственного голландцам, Матисс полностью меняет творческую манеру. Он пишет картины в манере импрессионистов, у которых линия почти исчезала, а главенствовали цвет и свет. Потом он увлекся пуантилизмом, где изображения создавались с помощью отдельных точек. Критика все более критично воспринимает эксперименты в прошлом преуспевающего художника. Наконец, в 1905 году в Салоне Матисс выставляет «Женщину в шляпе» — портрет жены.

Матисс картины с названиями.jpg

Увидев эту картину, а также картины товарищей Матисса, с которыми он вместе все лето работал на под ярким солнцем Средиземного моря, один критик воскликнул: «Бедный Донателло, он оказался в окружении дикарей!» От французского слова «дикий» пошло название направления «фовизм».  У художников были необычно яркие цвета, которые жили своей вольной жизнью, они создавали сочетания, вовсе не считаясь с тем, бывает ли так в жизни. Матисс сказал: «Когда я пишу зеленым, я не пишу траву, а когда пишу синим, я не пишу небо». Он считал, что цвет ценен и органичен сам по себе. Так же потом будут считать абстракционисты, включая Малевича.

Матисс мечтал, чтобы цвет у него пел, не считаясь ни с какими запретами. В тревожном XX веке он хотел изобрести цвет радости, который непосредственно воздействовал бы на чувства людей. Недоброжелателей у художника становилось все больше, хотя были и поклонники. Американская писательница и коллекционер Гертруда Стайн купила «Женщину в шляпе» за 500 франков, что было важно для пошатнувшегося бюджета Матиссов. Пока французская публика ругала Матисса, у него появился крупный заказчик из России — коллекционер и промышленник Сергей Щукин. В 1908 году он заказал художнику панно «Танец» и «Музыка». В Париже вокруг картин разгорелся скандал, и даже Щукин поначалу дрогнул, опасаясь вешать их в своем доме. Когда-то его учитель, художник Моро говорил: «В искусстве чем проще средства, тем сильнее выражаются чувства». В каждом из этих панно всего 3 цвета, человеческие фигуры достаточно условны. 5 человек танцуют на зеленом холме на фоне синего неба с какой-то дикой страстью. Наверное, так танцевали древние язычники для своих богов. Картина может нравиться или не нравиться, но эмоциональное воздействие отрицать трудно.  В «Музыке» напротив, фигуры тихи и сосредоточенны.

Матисс Танец. Музыка.jpg

Надо сказать, в России Матисса потрясли русские иконы. Его восхитил в них цвет, который тоже обладает сильным воздействием на зрителя. Щукин купил у Матисса и эти две картины: «Красная комната» и «Красные рыбки». Первая похожа скорее на ковер. Стол и стена как бы находятся в одной плоскости. Но когда художники хотели усилить воздействие цвета, они жертвовали глубиной пространства.

Матисс

Образ рыб в аквариуме часто встречается у художника. Он считал, что они являются источником абсолютной тишины и отрешенности. Этот мотив появился у Матисса после поездки в Африку в 1912 году. Кстати, «Красные рыбки» были первой картиной, которую оценила публика, уже привыкшая к его эксцентричным краскам.

Матисс Красные рыбки.jpg

Постепенно краски художника делаются менее агрессивными (вы можете увидеть это в презентации). О том, насколько разнообразной была манера мастера, можно судить по его портретам Лидии Делекторской, секретаря, помощницы,  модели, музы художника, которая ухаживала за ним до последних дней жизни. «Когда мне скучно», — признался однажды Матисс, — я делаю портрет мадам Лидии. Я знаю ее, как какую-нибудь букву».

Делекторская Л.jpg

Пожалуй, в Париже в первое десятилетие XX века было лишь два равнозначных художника, которые не скрывали соперничества, но уважали друг друга: Матисс и Пикассо.

О модернизме, Модильяни и Матиссе вы можете посмотреть и скачать презентацию, пройдя по ссылке:  https://drive.google.com/file/d/1gogbm1PLIY3tUVS8YLw-OqpPkKNhwvvh/view?usp=sharing

Пабло Пикассо (1881-1973).

Художники Монмартра безоговорочно признавали  молодого испанца лидером. О первых годах XX века друг Пикассо Макс Жакоб скажет: «Мы жили плохо, но прекрасно». Стихи, споры, импровизации. Подруга Пикассо готовила на всю компанию любимое всеми ризотто по-испански. Потом все отправлялись в ресторанчик с самым дешевым вином, а Пикассо удирал потихоньку к себе в мастерскую, где работал до рассвета. Пикассо был неистощим на веселые выдумки, но для тех, кто переступал порог его мастерской, открывался мир страданий. «Нечто таинственно окутывало его личность: поражал контраст между болезненной и тяжелой силой его искусства и его собственной жизнерадостной натурой» (Морис Рейналь). Творчество Пикассо принято делить на периоды. Каждые несколько лет он совершенно менял манеру письма. Так вот, период 1901-1904 годы принято называть «голубым периодом». Общий тон его картин в то время был  мертвенно голубым. В то время Пикассо еще не расстался окончательно с родной Испанией, жил то там, то в Париже, и картины его голубого периода ближе к испанской живописи с ее духовностью, трагизмом и изломанными линиями.

Пикассо Старый еврей и мальчик

У Пикассо есть целый ряд картин, где изображены слепые. А порой его зрячие глядят и не видят, как слепые. Для него слепые — не просто несчастные. Его слепые мудры, они видят то, чего не видят другие, они глубже чувствуют. Позднее Пикассо скажет: «Все зависит от любви. У художников нужно бы выкалывать глаза, как выкалывают щеглам, чтобы лучше пели».

В 1904 году Пикассо окончательно переезжает в Париж и селится в Бато-Лавуар. Его герои уже не обитатели приютов для бедняков и больниц. Пикассо всегда любил циркачей. Клоуны, акробаты становятся героями его картин и колорит картин постепенно теплеет.

Пикассо Розовый период.jpg

К этому периоду принадлежит и его «Девочка на шаре». Это, вроде бы, рассказ о жизни бродячих циркачей: репетиция номера, но будущий кубист Пикассо здесь противопоставляет два начала: земное, тяжеловесное, основательное — и легкое, хрупкое. У друга Пикассо Аполлинера есть стихи об атлете: «А когда он взобрался на шар, его тонкое тело нежною музыкой стало, и не было больше в толпе равнодушных. «Маленький дух без признаков плоти», — каждый подумал». В этой еще вполне сюжетной картине мы следим уже за соотношением форм и объемов, что станет основным в работах Пикассо в будущем. «Девочка на шаре» — одна из картин, приобретенных русским коллекционером М. И Морозовым

В следующем году Пикассо увлекся первобытным искусством, собирал африканские маски, а еще  маски иберийцев, древних жителей Испании. Его увлечение проявилось, например, в портрете Гертруды Стайн, американской писательницы, которая покупала работы Пикассо и Матисса. Она высидела 80 сеансов, позируя для портрета. Выходило замечательно, ей очень нравилось. Потом Пикассо уехал в Испанию, по возвращении переделал портрет без Гертруды, и когда она увидела портрет, то ужасно расстроилась, он был совсем не похож. Вместо лица была маска. Таков и его автопортрет 1907 года.

Пикассо Г. Стайн.jpg

Пикассо был сыном художника и с детства рисовал в классическом стиле. Много лет спустя, глядя на детские рисунки, он напишет: «В их возрасте я рисовал, как Рафаэль. Но понадобилась вся жизнь, чтоб я научился рисовать, как они».  В 1907 году Пикассо написал «Авиньонских девиц». Это был скандал. Щукин напишет: «Какая потеря для французского искусства!». Будущий товарищ по кубизму Брак сказал: «Это все равно, что питаться паклей и парафином вместо нормальной пищи».

Если лица центральных фигур все же ассоциируются с человеческими, то левая фигура похожа на древние изваяния, вроде  тех, что стоят на острове Пасхи. А две справа — жуткие маски. Мало того, их обнаженные фигуры написанные ломанными линиями, выглядят очень условными, но в то же время агрессивными.

КубизмПикассо.jpg

В то время в мастерской Пикассо стояли две древние иберийские статуи, с которыми Пикассо «советовался» о своей работе. Художник учился у них видеть иначе. Позднее он так напишет об этом времени: «Надо было сломить себя, чтоб совершить свою революцию и начать с нуля». Этот период был для него так труден, что один из его друзей сказал однажды: «Когда-нибудь мы найдем Пикассо повесившимся за его большой картиной». Зачем он себя ломал, ведь у него уже был успех, и торговцы картинами охотно покупали его работы? Может, он потому и велик, что ощущал нерв века, предчувствуя озверение людей, распад личности, превращение человека в придаток машины? Принято считать, что с «Авиньонских девиц» начался кубизм. Правда, слово это возникло в связи с картиной Жоржа Брака «Дома в Эстаке». Матисс пренебрежительно сказал, что там изображены кубики.  Кубизм — это когда мы видим мир как набор поверхностей и граней.  Мы узнаем картины кубистов по множеству острых углов, геометрических фигур. Но суть не только в линиях. Мы знаем, что кроме того, что мы видим, есть стороны предмета, которые мы не видим, но знаем о них. Кубисты не имитируют, как  раньше было в живописи трехмерный мир на холсте, они разворачивают трехмерный мир на плоскости и немного деформируют.

Кстати, Пикассо, как  Матисс, многому научился у Сезанна. Но первого увлекла его теория цвета, а Пикассо запала в душу мысль, что в основе любых изображений лежат куб, шар, конус и цилиндр. Отныне в течение ближайших лет, картины и Пикассо, и его товарища по кубизму Жоржа Брака будут состоять из этих фигур, словно  мозаичные панно. Или будто мы смотрим в микроскоп и видим молекулы, из которых состоит материя. Пикассо создает кубистские портреты, как например, знаменитого торговца картинами — Амбруаза Воллара. Но, как ни странно, по этому портрету Воллара узнавали. Или «Дама с веером». Картина эта производит странное впечатление от сочетания спокойствия, неподвижности лица и непрерывного движения того, что окружает его: руки, веер, складки одежды. Кажется, все эти треугольники непрерывно ломаются, исчезают и возникают вновь. И лицо Воллара, словно складывается из кусочков мозаики прямо на наших глазах. Мир картин, который всегда был таким устойчивым, неизменным, Пикассо заставляет возникать и распадаться.

У историков кубизма Пикассо стоял рядом с Жоржем Браком. Это про его картину «Дома в Эстаке» Матисс сказал: «кубики». Эстак — это порт в Марселе, который писали многие художники. Брак в разное время увлекался импрессионизмом, фовизмом. Но, встретившись с Пикассо, стал вырабатывать новую манеру письма. Они познакомились когда тот писал «Авиньонских девиц». Первая реакция была такая:  «Ты пишешь картины, как будто  хочешь заставить нас съесть паклю или выпить керосину», — сказал Брак  автору. Тем не менее, Брака заинтересовало новое искусство.  Его «Дома в Эстаке» — один из  ранних образцов кубизма.

Брак Ж. картины.jpg

Любопытно, что  на картине он использует светотень как бы для создания объема, но картина плоская. Кубисты этого и хотели — отойти от трехмерного пространства. Мы помним, что они разворачивают трехмерный мир на плоскости. Все больше деформируя реальные фигуры, кубисты находились в шаге от абстракционизма, который совсем отошел от изображения. Но ни Брак, ни Пикассо к этому не стремились. Чтобы как-то «впускать» реальность в свои картины, они оба, примерно в одно время начали использовать технику коллажа.

Брак Ж Коллажи.jpg

Но, как уже говорилось, каждый большой художник не умещается в определенный стиль. Пикассо пишет в той манере, которая кажется ему в этот момент наиболее подходящей. В его творчестве будут возникать классические мотивы. И его изящные рисунки — рассказ о героях греческих мифов.

Пикассо Картины с названиями.jpg

Манера письма меняется у Пикассо в зависимости от того, что он рисует. Вот «Материнство», мягкие линии. Состояние покоя, нежности И в это же время он пишет картину «Три музыканта». Не люди, а скорее,  музыкальные автоматы. Хотя, знаете, на картине этой он изобразил себя и своих друзей. Видите слева Арлекина со скрипкой? Это сам Пикассо.

Искусство XX века стало отражением распада человека, предчувствием катастрофы, несмотря на рост благосостояния и внешнее благополучие. Художники, кажется, не думали об этом. Они считали, что их картины не имеют отношения к действительности. Но вот происходит в мире трагедия. 1936 год. Испания, родина Пикассо, охвачена гражданской войной. Маленький городок Герника подвергнут бомбардировке и начисто разрушен. В то время бомбардировки еще не стали буднями войны. Весь мир содрогнулся. И тогда Пикассо за один месяц пишет огромное полотно — «Герника».

Пикассо Герника .jpg

Там тоже все изображения деформированы, и всякий, кто берется изложить, что изображено на картине, дает свою трактовку. Пикассо сам отказывался давать пояснения, но если не вдаваться в детали, то ясно, что ужас перед неведомой смертью иначе и не напишешь. Не случайно, что когда в мире произошла бомбардировка Хиросимы и Нагасаки, все заговорили, что это было предвидено Пикассо.

Пикассо часто говорил, что его творчество не имело отношения к политике, но именно ему принадлежит графическое изображение символа мира — голубя. Кстати, любопытно, что именно с рисования голубей он начинал в детстве. Его отец рисовал голубей на заказ, и маленький Пабло помогал ему.

Он прожил 92 года. В течение жизни он работал очень много, порой создавая в день по 2-3 картины. Рисунки выходили из-под его карандаша десятками. Он был очень разным: порой резким, неудобным, непонятным, но в его картинах нет цинизма, смакования жестокости.  О творчестве Пикассо и  Жоржа Брака вы можете больше узнать из презентации, пройдя по ссылке:

https://drive.google.com/file/d/1U2JYrjmKfyE7-HcNOpR9P-V6djVl7xmu/view?usp=sharing

Модернизм 1-я контрольная

    1. Назовите направления модернизма
    2. Что характерно для разных направлений модернизма?
    3. Чем отличатся XX век от предыдущих эпох?
    4. Назовите 3-4 технических изобретения XX века.
    5. Назовите великих изобретателей конца XIX –начала XX века (2-3).
    6. Отрицательные последствия технического прогресса.
    7. Что управляет нашими поступками согласно теории Фрейда?
    8. Искусство каких народов открыли для себя живописцы начала XX века?
    9. Культурная столица мира начала XX века.
    10. Художники селились там на…
    11. Итальянский художник, приехавший в 1906 году покорять Париж.
    12. Что Модильяни называл «столпы нежности»?
    13. Для его стиля характерны…
    14. Порой он рисовал странные глаза без…
    15. Модильяни нарисовал около 25 ее портретов.
    16. Этот художник начал рисовать со скуки, когда ему вырезали аппендицит
    17. Название направления фовизм происходит от слова…
    18. Что зрителям у фовистов казалось диким?
    19. Для Сергея Щукина Матисс написал 2 панно…
    20.  В России Матисса потрясли…
    21. «Когда мне скучно», — говорил  Матисс, — я делаю….
    22. Назовите картину и автора

Модернизм картины.jpg

2-я контрольная — кубизм

  1. Период творчества Пикассо  в 1901-1904 годы принято называть…
  2. Общий тон его работ в то время был
  3. Назови 2 картины этого периода
  4. Период 1905-1906 назывался…
  5. В это время среди героев его картин…
  6. Девочку на шаре купил…
  7. Эта американская писательница позировала ему 80 раз…
  8. В это время Пикассо увлекся искусством…
  9. Об этой работе Пикассо Щукин напишет: ««Какая потеря для французского искусства!».
  10. Считается, что с «Авиньонских девиц» начался …
  11. Мы узнаем картины кубистов по…
  12. Какая мысль Сезанна поразила Пикассо?
  13. Одновременно с Пикассо писать картины в духе кубизма начал…
  14. Матисс сказал «кубики» про картину…
  15. Чтобы как-то «впускать» реальность в свои картины, Пикассо и Брак начали использовать технику…
  16. На этой картине Пикассо изобразил себя и своих друзей.
  17. Пикассо написал картину, где отразил трагедию испанского городка…
  18. Авторы и названия картин:

Картины Пикассо и Брака

One thought on “Модернизм: Матисс, Пикассо, Модильяни”

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *