Во Франции его называют «ар-нуво», в Германии — югендштиль, в Австрии — сецессион, в США — тиффани, в России — модерн. Но при разности названий у этого направления, которое возникло в разных странах мира во 2-й половине XIX века и существовало до 1 мировой войны общие особенности: в живописи, архитектуре, прикладном искусстве не найдешь прямых линий — плавные, закругленные, они часто напоминают растительный орнамент. Художники модерна готовы черпать вдохновение в образах природы. С другой стороны, они активно используют достижения технического прогресса: стекло, многочисленные металлические детали украшают и здания, и интерьеры. Я предлагаю краткую иллюстрированную лекцию о художниках Г. Климте, О. Бердслее, А. Мухе и в конце — презентацию об искусстве модерна
Содержание
- Модерн. Особенности стиля. Архитектура А. Гауди и В. Хорта
- Обри Бердслей и его гравюры
- Австрийский сецессион и картины Густава Климта
- Альфред Муха. Его картины и произведения прикладного искусства
- Презентация и вопросы для самопроверки
Модерн — особенности стиля. Архитектура А. Гауди и В. Хорта
Вообще модерн — это не просто отдельные произведения искусства. Это скорее стиль жизни — утонченный, порой слишком, но немного нервный. Словно в предчувствии отдаленных бед и сложностей грядущего XX века буржуазия Европы и Америки хотела пожить не просто комфортно, и богато, но и изысканно, создав себе маленький мир, где вокруг столько красивых вещиц: посуды, мебели, ну и картин, конечно. С этим связана еще одна особенность периода модерна или ар-нуво: граница между художниками и ремесленниками не то что совсем исчезла, но стала гораздо менее выражена. Немало замечательных живописцев, кроме писания картин не гнушались рисованием афиш, рекламных плакатов или созданием посуды и украшений. И это только прибавляло им славы.
Надо сказать, это будет время повышенного интереса к мистике, средневековью. Просвещенная публика увлекалась спиритизмом, зачитывалась поэмами из жизни средневековых рыцарей. Кстати, модерн как раз начался с книг теоретиков искусства Джона Рёскина и Уильма Морриса, которые восхищались средневековьем и ранним Возрождением и опасались,что технический прогресс убьет подлинное искусство и ремесло, а человека сделает рабом машин. Как все повторяется!
Немало архитекторов работали в этом стиле. Творения испанца Антонио Гауди (1852 — 1926) с их текучими извилистыми линиями тоже относят к модерну. Хотя есть в его творчестве и влияние готики, и испано-мавританской архитектуры — наследия тех времен, когда Испания была под властью арабов. Его работы узнают по яркой керамической плитке, искривленным поверхностям, волнообразным стенам.
У Гауди нет ни одной прямой линии, как нет прямых линий в природе. Его творчество уникально, и из 17 произведений 7 внесено в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.
Первая работа молодого архитектора и дизайнера которая обратила на себя внимание, была витрина, представленная на Парижской всемирной выставке 1878 года. После этого им заинтересовался владелец текстильных фабрик из Барселоны Эусеби Гуэль. Богатый человек, он предоставил Гауди полную свободу творчества, щедро оплачивая его творения. Архитектор построил Дворец Гуэля, павильоны для его усадьбы.
Одной из самых известных достопримечательностей Барселоны стал парк Гуэля с его сказочными домиками и знаменитой длинной скамьей в форме морского змея. Чтоб украсить это извилистое сооружение, архитектор применил технику «тренкадис» («хрупкий, ломкий»), то есть использовал битую плитку, так как обычную нанести на искривленные поверхности было невозможно. Эта техника стала одной из визитных карточек Гауди.
Но самой известной его работой стал храм Sagrada Famlia (Храм Святого Семейства). Его строительство началось в 1882 году по проекту другого архитектора, но случился конфликт, и в 1883 году работа была поручена молодому Гауди, и более 40 лет, до самой смерти, это строительство будет смыслом его жизни. Когда архитектора упрекали в медлительности, он отвечал: «Мой клиент не торопится», имея в виду Бога.
Гауди не просто строил храм, но хотел, чтоб он стал живой иллюстрацией Евангелия. Для стиля испанского архитектора вообще характерен символизм, и в Храме Святого Семейства символов множество. У собора будет 18 башан, они символизируют апостолов, Деву Марию, евангелистов, а шпиль — Христа. Гауди успел почти закончить восточный фасад — Рождества с многочисленными статуями волхвов, пастухов, Марии Иосифа и др. Их делали на основе слепков с реальных людей и животных.
Архитектор погиб в 1926 году, его сбил трамвай. Великого архитектора приняли за нищего, и ни одна машина не согласилась везти живого еще Гауди в больницу. Строительство собора длится уже почти 140 лет. Обещают, что леса снимут в 2026 году.
Гауди был удивительным и неповторимым. Он творил фантастический мир, следуя своему вдохновению. Большинство создателей архитектуры модерн преследовали цели практические: создать красивое здание и изысканный, комфортный интерьер. Кстати именно в это время в богатых домах стали появляться лифты и центральное отопление.
Один из ярких представителей модерна — бельгиец Виктор Хорта (1861 — 1947). Удача улыбнулась ему, когда он в 1888 году стал членом масонской ложи. Тогда молодой архитектор познакомился с Эмилем Тасcелем, который заказал ему проект отеля. После выполнения этого заказа у Хорта (или Орта) не было отбоя от клиентов.
Он и для себя построил дом. Там теперь его музей. Здесь весь набор приемов модерна: узорные решетки, эркеры, закругленные балкончики, арки, плавно изгибающиеся лестницы, много металла и стекла.
Еще один бельгиец, архитектор Анри Ван дер Вельде не только спроектировал свой дом, интерьер, но даже платья, которые сочетались бы со стилем дома.
К достижением архитектуры и дизайна модерна обращаются и сегодня. Среди художников наиболее яркие имена: Обри Бердслей, Альфонс Муха, Густав Климт, в какой-то мере Тулуз-Лотрек.
Обри Бердслей (1872-1898). Графика
Кажется, у Бердслея не было шансов остаться в истории, ведь у него было так мало времени: всего 25 лет. Его отец был болен туберкулезом, Обри с 7 лет знал, что и он несет в себе эту болезнь. Из-за нее он с большими перерывами посещал школу, не было речи о систематических занятиях в художественной. Но с ним много занималась мать, и мальчик детства пристрастился к чтению и писанию стихов, с 4 лет рисовал, а к 11 годам настолько преуспел в занятиях музыкой, что вместе с сестрой давал концерты для большой аудитории. После школы устроился было на работу, но скоро начал кашлять кровью, и работу пришлось бросить.
В это время судьба привела его в студию художника Эдварда Берн-Джонса. Едва глянув на работы юноши, он сказал: «Природа сделала вам подарок, необходимый для того, чтобы стать великим художником. Я редко или никогда не советую кому-либо заниматься искусством как профессией, но в вашем случае другого не могу сказать».
В 1892 году 20-летний Обри получил первый заказ: сделать иллюстрации к роману «Смерть Артура». Еще в XV веке, сидя в заключении, рыцарь Томас Мэлори записал старинные предания о легендарном короле Артуре, рыцаре Ланселоте, святом Граале, Тристане и Изольде. Книга поначалу была очень популярна, потом призвана варварской и забыта. А в XIX веке с ростом интереса к средневековью стала снова востребована. Славы ей прибавили и иллюстрации Бердслея.
Уже в первой работе мы видим сложившийся стиль, для которого характерны плавные текучие линии, контраст черных и светлых пятен, обилие орнамента. Светотени у Бердслея отсутствуют. Его друг и издатель Джон Лейн писал, что он «двинул искусство черного и белого дальше, чем кто бы то ни было со времен Альбрехта Дюрера». Впрочем, нередко с пятнами сочетается тончайшая штриховка. Вот как художник определял особенности своего стиля: «Фантастическое впечатление от рисунка достигается тонкой виртуозной линией в сочетании с большими пятнами сплошного черного цвета«.
Еще более выразительными стали его черные пятна в иллюстрациях к пьесе О. Уайльда «Саломея». Сюжет о Саломее, которая танцевала перед царем Иродом и в награду за танец, по совету матери, потребовала голову Иоанна Крестителя есть в Евангелии. Но у Уайльда это пьеса о страсти. Саломея любит Иоканаана (Иоанна), а он ее отвергает. И, заставив Ирода убить пророка, она не перестает его любить.
Работы Бердслея порой шокировали публику викторианской Англии. Говорят, перед смертью он стал религиозен и просил друга уничтожить свои произведения, чего тот не сделал. Иллюстрации художника оказали большое влияние на искусство модерна.
Густав Климт (1862 — 1916) и его картины
Климт родился в предместье Вены, столицы Австро-Венгерской империи, с очень консервативными традициями. Поначалу, после окончания Венской школы искусств в 1883 году его работы вполне удовлетворяли вкусы венской публики, которая хотела классической красоты. Молодой художник был очень успешен. Ему было 26 лет, когда он с братом расписывал Бургтеатр, а потом Венский музей истории искусств. В вестибюле театра на стенах были изображены сцены из спектаклей и зрители. Жители Вены были в восторге от росписей, а художников наградил сам император.
В 1945 году театральное здание было разрушено бомбардировкой. К счастью, от него сохранились лестничные пролеты с работами Климта. После такого успеха у художника не было отбоя от богатых заказчиков, которые хотели, чтоб он писал портреты их жен, дочерей.
Климт нравился всем, создавая образы нежные, воздушные. Это было почетно, выгодно, но в Париже уже отшумели споры об импрессионистах, уже известны Гоген и Ван Гог. Венским художникам тоже хотелось создавать современное искусство. И тогда зародился Венский сецессион (от лат. secessio — отделение, обособление). Их девизом стало «Каждой эпохе свое искусство, каждому искусству свободу». Художники Венского модерна заявляли, что они творят современное искусство о современной эпохе. Честно говоря, они были не так радикальны, как их французские коллеги. Венские модернисты не отказывались от античного, египетского и средневекового наследия. Но все же порой их работы вызывали скандал. Так, когда Климт сделал работы «Философия. Медицина. Юриспруденция» для оформления актового зала Венского университета, жители города собирали подписи за то, чтоб запретить показывать такие картины молодежи.
В итоге Климт выкупил свои работы у университета и больше не рисовал для общественных зданий. В знак протеста он написал картину «Голая правда». Сохранились только старые репродукции университетских картин, потому что они сгорели при пожаре в конце войны.
В 1889 году состоялась первая выставка Венского сецессиона. На ней была выставлена его «Афина Паллада». Кстати, потом именно ее художники венского модерна сделают своим символом.
Афина Климта — не прекрасная и мудрая богиня классической Греции. Это древняя воительница — сильная и беспощадная. Традиционная богиня победы Ника в ее руках вовсе не похожа на античную статуэтку. В этой манере Климт писал женщин на картинах для Венского университета. На груди Афины — изображение Медузы Горгоны.
Через 2 года в 1901 он напишет «Юдифь» — у нее в руках отрубленная голова Олоферна (правда, кто-то считеат, что это Саломея с головой Иоанна Крестителя). На ее лице нет ни жалости, ни страха — только торжество и страсть. Надо сказать, с этих работ начнется его «золотой период», когда Климт использовал в работах сусальное золото. Во время поездки в Италию художника поразили византийские мозаики с их золотым фоном и сверкающими кусочками смальты. А, может, сказались и детские впечатления, ведь его отец был ювелиром.
Время модерна совпало с началом борьбы женщин за равноправие. И если в обществе до равенства в правах было еще далеко, то на картинах художника они уже победили. Именно так выглядят и Юдифь, и Афина. Климт будет создавать и реальные портреты эмансипированных женщин.
В 1907 году художник написал одну из самых знаменитых своих картин — «Портрет Аделины Блох-Бауэр». Это была современная дама, жена богатого сахарозаводчика, которая курила сигареты в длинном золотом мундштуке, изучала философию, проповедовала социализм, атеизм и равные права для женщин. Климт бывал в ее салоне, не раз писал ее. Кстати, Юдифь тоже писана с Адели. Говорили, что у них роман. Заказал портрет жены Фердинанд Блох в 1903 году, поставив условие, чтоб художник написал не менее 100 эскизов. Так что работа длилась 4 года.
Что там было так долго рисовать, когда большая часть полотна — сусальное золото? Положение головы и рук. А еще считалось, муж хотел, чтоб во время работы над портретом художник и модель надоели друг другу. Так разрешилась проблема любовного треугольника.
Портрет Адели называли «декадентская икона» не только потому, что это одна из самых известных картин времен декаданса, но и потому что это был возврат к технике иконы, где в средние века фон был золотым — знак принадлежности к божественному миру, а взору верующих были открыты только голова и руки, остальное закрыто окладом из драгоценных металлов и камней. Только в эпоху модерна золото — наоборот — знак земного богатства. Как на иконах, здесь изображение совершенно плоское, а одежда изображена даже более условно, чем в средневековой живописи — она состоит из многочисленных орнаментальных узоров, которые окутывают героиню с головы до ног.
К золотому периоду относится и самая знаменитая картина Климта — «Поцелуй». Он написал ее тоже в 1907 году.
Всех просто завораживает эта то ли картина, то ли мозаичное панно: золотой фон, цветы, орнамент. А, если вдуматься, она вызывает немало вопросов. Какой-то странный поцелуй. Она отвернулась, и он ее целует в щеку. Такие поцелуи в эпоху модерна? Левой рукой девушка то ли удерживает руку мужчины, то ли отталкивает ее. Она-то стоит на коленях, а он? А роста почти одного. Они оба на цветущем лугу, но ноги ее свисают с обрыва. Что бы это значило? Лица мужчины не видно. Кто-то предполагал, что художник изобразил себя.
Еще одно предположение, что женщина — Эмилия Флеге. Климт был героем многочисленных романов. Но имя этой женщины стоит особняком. Об их отношениях толком ничего не известно. После смерти Климта Эмилия сожгла его письма. Первый портрет он написал, когда ей было 17 лет. Известно, что они много времени проводили вместе. Она так и не вышла замуж, он всю жизнь жил с матерью и сестрами. После инсульта он попросил позвать ее. Это были его последние слова. Эмилия тоже была современной женщиной. Вместе с сестрами она открыла известный салон высокой моды, Климт для нее делал эскизы тканей и придумывал фасоны платьев. Тогда дамы еще носили корсеты. Платья свободного покроя, которые она шила, не требовали этой детали туалета. Как раз в таком наряде Климт ее нарисовал в 1902 году.
Очевидно, что рисунок ткани выполнен Климтом в типичной для него мозаичной манере. Надо сказать, в конце XIX века художники писали или крупными мазками, как импрессионисты, или вовсе оперировали большими цветовыми пятнами, как Гоген. Климт создает картины, словно выкладывая их из мелких кусочков смальты или стекла. Причем, не только детали одежды, но и пейзажи.
Там часто изображено озеро Аттерзее, где Эмилия проводила лето. Подолгу там жил и Климт. В замке Каммер, построенном в XII веке обитали когда-то аристократы и императоры. Художник несколько раз рисовал его.
Альфонс Муха (1860 -1939). Живопись и произведения прикладного искусства
Альфонс Муха родился в Чехии, кстати, она входила тогда в Австро-Венгрию. Мальчик из бедной многодетной семьи увлекался и музыкой, и театром: играл, писал декорации, но вынужден был заботиться о заработке. Он попытался поступить в Пражскую академию художеств, но там ему посоветовали не думать о живописи, так как у него нет таланта. Возможно, мы бы сегодня не знали художника Муху, если бы в графском замке Гандегг, где молодой человек расписывал стены, хозяин не оценил бы его работу. Граф Куэн решил оплатить учебу талантливого юноши. Но настоящей школой для него стал Париж, куда Муха приехал в 27 лет в 1887 году. Он знакомится с Гогеном, Матиссом, говорят, одно время жил в одной комнате с Ван-Гогом. До 1890 года получал помощь от графа Куэна. Но потом ему пришлось зарабатывать самому. Муха брался за любую работу: оформлял календари, колоды карт, работал в типографии. В 1893 году судьба свела его с великой актрисой Сарой Бернар. Ей понадобилась афиша. В издательстве перед Рождеством остался один Муха, ему поручили выполнить заказ. Актрисе афиша очень понравилась, и отныне она хотела работать только с чешским художником. Он будет не только оформлять ее спектакли, но и делать для нее украшения. Что так понравилось великой актрисе? У всех есть свои комплексы, великая Бернар страдала от своего маленького роста, да и немолода уже была. А здесь она высокая, нежная, таинственная. Именно этот образ стал отправной точкой в развитии художника.
Причем он не льстил — Муха именно такими видел женщин. Для многих художников модерна женщина — источник удовольствия. Муха разделял идеи мистиков, что женщина — вечно переменчивая душа мира. За афишами, которые он делал к спектаклям Сары Бернар, сразу стали гоняться коллекционеры. Ему посыпались заказы: новые афиши, календари, Муха не отказывается разрабатывать рекламные плакаты, меню, винные этикетки. Надо сказать, получалось у него все красиво и ненавязчиво. Производители вин благодаря художнику поняли, что шампанское гораздо лучше будет продаваться, если на этикетке будет не бокал вина, а изящная женщина. Сразу и не поймешь, глядя на эти изображения, что это реклама не только парфюма, но пива, вина, сигарет.
По эскизам Мухи ювелир Жорж Фуке создает ювелирные украшения. Чешский художник оформит и ювелирный салон Фуке, который станет одним из знаковых мест Парижа.
К началу XX века Муха настолько популярен, что все хотят иметь хоть какую- то его работу. И он выпускает альбом «Декоративные документы», который стал первым учебником по дизайну. Автор опубликовал свои эскизы посуды, платьев, ювелирных украшений, чтоб каждый желающий мог заказать для себя вещь по его картинкам у любого художника. Он надеялся хоть немного уменьшить число своих клиентов, но наоборот, заказов стало только больше.
Мы говорили уже, что в ар-нуво или модерне очень важен орнамент. Напомним, одна из особенностей стиля — обращение к природным мотивам. Классическим орнаментом эпохи модерна является «удар бича» или цикламен. Для своих орнаментов художники модерна выбирают растения с причудливой формой. При этом цветы имеют определенное символическое значение. Орхидея — великолепие, роскошь. Ирис — свет и надежда. Чертополох — символ мужества и стойкости. Мак — символ перехода между сном и явью. Встретим мы и водяные лилии, водоросли, все, что струится, образуя причудливое обрамление изображения.
Вообще фирменное изображение Альфонса Мухи — стилизованная фигура прекрасной грациозной женщины, в обрамлении стилизованных цветов. С 1896 года Муха разрабатывает серии декоративных панно, из которых самыми известными стали «Четыре времени суток», «Четыре цветка», «Четыре времени года».
Их делали в виде плакатов или шелковых панно, которые украшали дамские будуары.
Стиль Мухи был настолько популярен, что для современников он был олицетворением стиля модерн. Но скоро эти занятия стали тяготить художника. Он так и не полюбил Париж с его суетой, его не привлекала шумная богемная жизнь, да и создавать красивые панно для дамских гостиных надоело. Муха хотел вернуться на родину в Чехию и заняться настоящей живописью. Он мечтал создать цикл картин об истории славянских народов. Ему было обидно, что в Европе мало о них знают. Чтоб заработать денег, он, следуя совету Сары Бернар, отправился в США. Но там он довольно встретил спонсора, который готов был профинансировать славянский цикл картин. Он вернулся в Чехию, женился и 20 лет писал большие многофигурные картины об истории разных славянских народов -«Славянскую эпопею». О своем замысле он писал, что хочет ««возвестить чужеземным друзьям и чужеземным врагам, кем мы были, кто мы есть, и к чему мы стремимся». Он изучает историю своего народа, едет в Польшу, Россию. 10 картин он посвящает Чехии, еще 10 — другим славянским народам. Вот некоторые названия: «Славяне на исконной Родине», «Праздник Свантовита», «Введение славянской литургии в Моравии». Тема картины о России — «Отмена крепостного права в марте 1861 года».
21 сентября 1928 года 68-летний Муха торжественно передал свои картине в дар Праге. Но на родине к ним остались равнодушны. Тема славянства даже в Праге не казалась актуальной. Муха хотел, чтобы город построил для его картин отдельное здание, но это так и не было выполнено. В итоге картины потерялись. Гитлер, заняв Чехию, хотел уничтожить полотна художника, но никто не знал, где они. В середине 50-х годов эти работы обнаружили. Они были намотаны на бобину и закопаны в землю. Оказалось, все картины хорошо сохранились. Теперь для «Славянского цикла» нашлось, наконец, место в Праге, их выставляют и в разных странах мира. Муха когда-то сказал: «Время скажет свое слово». Похоже, он был прав.
Посмотреть или скачать презентацию можно, пройдя по ссылке:https://drive.google.com/file/d/1Y-gmRGiHwosJnwo-NJGiJWvcZYMulxun/view?usp=sharing
Вопросы для художественной школы.
-
- В Австрии модерн назывался
- Ар-нуво стиль назывался во…
- Особенности стиля модерн
- Джон Рёскин и Уильм Моррис опасались прогресса и восхищались эпохами…
- Архитекторы, которые работали в стиле модерн
- Этот архитектор считал, что прямая — порождение человека, а круг- Бога
- Антонио Гауди — автор прославленного собора …
- Этот архитектор создавал не только здание, интерьер, но даже платья, которые подходят по стилю дому.
- Бердслей прожил… лет
- В 20 лет он получил заказ на иллюстрации к книге….
- Бердслей писал о достоинствах своего стиля: «Фантастическое впечатление от рисунка достигается…» чем?
- Бердслей создал иллюстрации к пьесе Уайльда…
- В 26 лет Климт получил заказ расписать…
- Какую картину Климта художники сецессиона сделали своим символом?
- Картины «золотого периода» Климт писал под влияем искусства…
- Что сближает живопись Климта со средневековьем?
- Какие узоры на одежде мужчины и женщины в «Поцелуе»?
- Какой бизнес был у Эмилии Флеге?
- Муха родился в стране…
- В 1893 году у него произошла судьбоносна встреча с…
- Он делал рекламу для товаров…
- Вместе с Жоржем Фуке он делал…
- Этот альбом Мухи считается первым учебником по дизайну
- На языке модерна мак символизировал…
- Муха мечтал написать цикл картин о…
- Картина о России называлась…
- Картины славянского цикла нашли в 50-е годы (где?)