Кандинский, Малевич, Шагал, Филонов — художники русского авангарда

Русский авангард — важное явление не только в русской, но и в мировой живописи. Впитав идеи западных живописцев, российские художники, в свою очередь, оказали влияние на европейское искусство. Казимир Малевич от фигуративной живописи пришел к абстрактному искусству, заявив о себе как основоположнике супрематизма. Василий Кандинский стал одним из создателей абстракционизма. Его работы экспонируются в картинных галереях Германии, Швейцарии, США. Марк Шагал — тоже  одна из знаковых фигур мирового искусства XX века. В отличие от Кандинского он не отошел от изображения реальности в сторону абстракции, но создал свой особый узнаваемый мир, полный символов, во многом связанный с родным Витебском. Павел Филонов назвал свой творческий метод  «аналитический реализм».  Его работы, мало известные широкой публике, на выставке «Москва-Париж» в 80-е годы вызвали больший интерес, чем полотна великих импрессионистов и постимпрессионистов.

Содержание

1. 1. 1. Василий Кандинский
      2. Марк Шагал
      3. Казимир Малевич
      4. Павел Филонов
      5. Ссылка на презентацию и вопросы тестов для художественной школы. 

2. Василий Васильевич Кандинской (1866 — 1944)

   Кандинский родился в Москве, в семье коммерсанта, в 1892 году закончил юридический факультет Московского университета, а в 1895 году на выставке увидел «Стог сена» Моне.  Сначала Кандинский вообще не понял, что изображено. «Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно». Но вдруг он понял, что, хотя не понимает, что нарисовано, картина все равно волнует и притягивает. Так начинался его путь будущего абстракциониста. Эти впечатления сразу изменили жизнь Кандинского, он отказался от места доцента университета и уехал в Мюнхен учиться живописи сначала в частной школе, а потом в академии. Но академическая учеба казалась ему скучной, он оставил школу и с несколькими художниками создал группу «Фаланга». В 1902 году Кандинский написал картину «Синий всадник», которую некоторые считают первой абстрактной картиной. А в 1911 году Кандинский и Франц Марк создали объединение «Синий всадник», которое объединило художников-новаторов.

   

   Надо сказать, еще до потрясения от работ импрессионистов было важное событие, повлиявшего на его творчество: в 1889 году он совершил этнографическую экспедицию на русский Север, в Вологодскую губернию, где его поразили работы русских мастеров. Он вспоминал, как попал в   крестьянскую избу, и увидел вокруг себя водоворот красок, словно оказался внутри картины и вырвался за материальную оболочку мира. Эти впечатления выразятся в его картинах «Езда. Пара» и «Пестрая жизнь«.  Перед нами — ярмарка, а на высоком холме, окруженном темным лесом, — белый город, словно воплощение духовной красоты.

   Уже тогда Кандинского интересовало  воздействие  на человека «печальных» и «радостных» цветов, он  был уверен, что они вызывают вибрации в душах. Зеленый цвет, по Кандинскому, выражает покой, в нем соединяются два активных начала: желтый и синий. Если равновесие нарушается в сторону желтого, то зеленый становится «живым, юношески-радостным». А если преобладает синий, зеленый воспринимается как «серьезный» и «задумчивый».

   Надо сказать, Кандинский не только очень остро воспринимал цвета, долго держал их в памяти, но и слышал их звучание. Вот как он вспоминал потом день в Москве: » Солнце плавит всю Москву в один кусок, звучащий как туба, сильной рукой, потрясающий всю душу. Розовые, лиловые, белые, синие, голубые, фисташковые, пламенно-красные дома, церкви — всякая из них, как отдельная песнь — бешено-зеленая трава, низко гудящие деревья, или на тысячу ладов поющий снег«. Он считал, что через живопись и музыку можно прикоснуться к высшей реальности. Поэтому его интересовало не только искусство, но и труды современных философов и мистиков.

   В 1910 году Кандинский выпустил книгу «О духовном в искусстве», где обобщает свои размышления об эмоциональном воздействии цвета. Его интересовали идеи мистиков, которые утверждали, что все предметы реального мира имеют ауру, но самые яркие цвета можно увидеть за его пределами, где предметы уже не существуют. Все чаще художник думает: чтобы получить ощущение гармонии, не нужны узнаваемые образы, достаточно цвета и формы. Постепенно из его картин исчезают предметы. Свои работы начала 10-х годов он  нередко называет «импровизации». И если в некоторых все же можно узнать образы, да и он сам дает названия картинам, то другие — абстрактные сочетания цветовых пятен. В «Фуге» Кандинский осуществляет идею о единстве живописи и музыки (фуга — музыкальное произведение).

   

   Когда началась Первая мировая война, Кандинскому пришлось покинут Германию и вернуться в Россию. Он жил в основном в Москве, которую очень любил и писал о ней: «Москва: двойственность, сложность, столкновение и путаница отдельных элементов внешности… Эту внешнюю и внутреннюю Москву я считаю исходной точкой моих исканий. Москва — мой живописный камертон». Картину » Москва. Красная площадь» написал за 3 дня, повторяя немецкое слово «наводнение«. Там можно увидеть купола церквей, наверное, кремлевскую стену, но главное — это рушащийся мир, где со всех сторон подступает чернота и вороны летают. Смотрим на дату — 1916 год. Все, действительно шло к гибели. Кандинский остался в России после революции 1917 года, много работал, но в начале 20-х власти стали все более косо смотреть на абстрактное искусство, в результате, в 1921 году он выехал в Германию на выставку в Берлин и не вернулся. Преподавал в знаменитом Баухаузе — где создавался дизайн XX века. В 1928 году получил германское гражданство.

   Но когда к власти пришли фашисты, которые не жаловали абстракционистов, пришлось перебраться во Францию. Немало картин, оставшихся в Германии, были уничтожены как произведения дегенеративного искусства. Постепенно в его композициях появится больше геометрии. 

   Картина «Черный и фиолетовый» была написана в последние спокойные годы в Германии. В книге «О духовном в искусстве» Кандинский об этих цветах писал так: «Черный цвет есть нечто угасшее, вроде выгоревшего костра, нечто неподвижное, как труп, ко всему происходящему безучастный и ничего не приемлющий. Это как бы безмолвие тела после смерти, после прекращения жизни». Фиолетовый тоже не относится к радостным: «Фиолетовый цвет является охлажденным красным. Он имеет поэтому характер чего-то болезненного, погасшего, несет в себе что-то печальное. Не случайно этот цвет считается подходящим для платьев старух». Как решаются взаимоотношения этих цветов на картине — решайте сами.

   

   Картина «Композиция X» — это еще одна попытка выразить через живопись музыку. Кандинскому казалось, что так должна выглядеть идеальная симфония. В симфонии 4 части. Можно попробовать выделить эти части на картине. Среди его поздних работ будет много так называемых, биоморфных абстракций. Там кроме геометрии, появилось что-то похожее на простейших живых существ.

   

   Когда фашисты оккупировали Францию, Кандинский решил было ехать в США, но вернулся и умер там в 1944 году. 

   Марк Захарович Шагал (1887- 1985)

   Шагал родился в Витебске. В ночь его рождения был сильный пожар, и языки пламени в окнах домов будут нередко встречаться в его картинах. Он получил традиционное еврейское воспитание. Дома изучал Тору, священную книгу иудаизма, закончил начальную еврейскую школу, потом поступил в гимназию. Иудейская традиция не приветствует изображения людей, но мальчик полюбил уроки рисования, и в 19 лет поступил в местную школу живописи. Учитель был так поражен его умением работать с цветом, что не стал брать плату за обучение. Шагал очень любил Витебск, и образы родного города — церквушки, кривые заборы, бедные домики, — все это будет встречаться в его картинах на протяжении всей жизни.

   

   Но, чтоб стать художником, надо было ехать в столицу. Он уговорил отца дать деньги, тот дал, но в гневе швырнул их на пол. Будущему художнику пришлось их подбирать, но зато он мог ехать в Петербург. Сначала 2 года Марк учился в Рисовальной школе, директором которой был Н. Рерих, но образование казалось Шагалу слишком академичным. Молодой художник показал свои работы Л. Баксту, тот оценил его талант, но в частной школе, где он преподавал, надо было платить. К счастью, нашлась меценатка, а чуть позднее депутат Думы Максим Винавер дал Шагалу стипендию для учебы в Париже, куда он уехал летом 1910 года. Жил в Париже художник очень бедно, но зато мог окунуться в художественную жизнь столицы искусства. Там тогда все спорили о кубизме, фовизме. Художник из России впитывает их достижения, но у него было свое понимание сути искусства. Он писал: «Искусство – это состояние души. А душа свята у всех нас, ходящих по грешной земле». Эта святость души как людей, так и животных ощущается в его картинах. Они изображены условно, потому что это скорее это не материальные создания, а их добрые светлые души. На одной из знаменитых ранних работ художника «Я и моя деревня» на первом плане профиль человека и животного (одни пишут — коровы, другие — овцы). Они смотрят друг на друга как близкие существа. Под влиянием парижских художников краски Шагала стали яркими и, как у многих современников, имеют символическое значение. Шагал любит зеленый, для него он — символ жизни и счастья. Таково лицо человека, который наблюдает за жизнью своей деревни, вернее, своего любимого Витебска. Это его дома видны на холме. А еще там обычные сельские работы: женщина доит корову, мужчина идет с косой.

   

   Картину «Скрипач» Шагал написал на скатерти, купленной на блошином рынке, потому что из-за бедности холст купить не мог. Образ скрипача у Шагала будет встречаться не раз. Эти музыканты были обязательной частью всех еврейских праздников. Но своих скрипачей он изображает над городом, кстати, в первый раз — в ранней картине «Смерть «.  Наверное, музыканты для него немного ангелы — посредники между небом и землей, поднимающие обыденные явления до уровня духовных. Надо сказать, живя в Париже, он почти не писал этот город, одна из немногих работ — «Париж через окно». Эйфелева башня на горизонте, индустриальный пейзаж, парашютист. Герой сидит в задумчивости рядом с кошкой.

   В 1913 году работы Шагала выставлялись сначала в Париже, а летом 1914 года — в Берлине. После этого он решил ненадолго заехать домой повидаться со своей девушкой. Еще в 1909 году, во время приезда в Витебск он познакомился Беллой Розенфельд, которая стала главной любовью его жизни. Он будет рисовать ее даже через много лет после ее смерти. Но скоро после его приезда началась война, выехать в Европу стало невозможно. В 1915 году Шагал женился, и вместе с Беллой уехал в Петербург. Жизнь была нелегкая, надо было зарабатывать на жизнь, но любовь заставляла забывать о тяготах, он будет рисовать влюбленных, летящих над городом. В его фантастических сюжетах есть отголоски реальных событий. Вот, например, как возникла картина «День рождения». Однажды Белла, еще невеста Шагала, пришла с букетом цветов, чтоб поздравить его с днем рождения. Он воскликнул: «Не двигайся, стой, где стоишь» и бросился к мольберту, чтоб нарисовать ее. Хотя, конечно, назвать картину портретом никак нельзя. Шагал создал образ удивительной нежности двух людей.

   

   Кроме любви, у него будет еще один повод чувствовать себя летящим. Шагал был уверен, что революции нужно новое искусство. Тогда многие так думали. Он добился в Петербурге мандата, который подтверждает, что он командируется в Витебск для создания там Народного художественного училища. Несмотря на гражданскую войну и разруху ему это удалось. Молодые люди учились с энтузиазмом, а к годовщине Октября разукрасили весь город яркими красками. Но Шагал решил пригласить преподавать в школе Малевича. Скоро новый учитель перетянул всех студентов к себе, основатель школы оказался не у дел.

   О художественном училище в Витебске, личностях Малевича и Шагала Александр Митта снял художественный фильм «Малевич и Шагал».

   Шагал уехал в Москву, 2 года работал там, в 1922 году выехал сначала в Литву, где проходила его выставка, потом в Германию, а в 1923 обосновался в Париже по приглашению Воллара. Больше на родину он не вернулся, хотя всю жизнь рисовал Витебск.

   За границей его судьба сложилась удачно. Он всю жизнь был востребован. Хотя большинство картин, которые он оставил перед отъездом в Россию, пропали, он по памяти их восстановил. Еще в Германии ему поступило предложение об издании своей книги, художник иллюстрирует Гоголя, а после путешествия в Палестину много лет будет создавать иллюстрации к Библии.

   Шагал был очень общительным, легко сходился с людьми, но не примыкал ни к какому направлению. Когда его называли сюрреалистом, он говорил: «Я реалист. Я люблю мир». Еще одна любимая тема Шагала — циркачи, тоже люди немного не от мира сего, живущие между небом и землей.

   

   В Германии с приходом Гитлера стали преследовать современных художников, усилились и гонения на евреев. После еврейских погромов в Германии художник, создал картину «Белое распятие» — символ страданий своего народа. Крест возвышается над землей, где фашисты жгут дома евреев. Вверху — библейские герои. Предполагают, что лодка — это ковчег — надежда на спасение. Когда фашисты оккупировали Францию, Шагалы переехали в США. Художник и там много работал, но скучал по Франции. Узнав, что Париж освобожден, семья художника засобирались в Европу, но в августе 1944 года умерла Белла…

   Шагал прожил 98 лет, не переставая работать. Ему заказывали росписи храмов, он работал в технике витража, мозаики. По просьбе президента Франции Шарля де Голля он расписал плафон театра Гранд Опера, сделал панно для театра Метрополитен в Нью-Йорке. Однажды цыганка предсказала Шагалу, что он умрет в полете. Он умер, поднимаясь в лифте в свою мастерскую.

   Казимир Северинович Малевич (1879 — 1935)

   Поляк по национальности, Малевич родился в Киеве. Отец его служил на сахарных заводах управляющим, переезжая вместе с семьей с одного места на другое. Почему его старший сын увлекся живописью? Малевич потом вспоминал, что первое потрясение он испытал, когда увидел, как маляр красит крышу зеленой, как деревья, краской.  Попробовал, не получилось, но в душу запало.  Он стал рисовать красками, которые делал сам из подручных материалов. А потом он увидел профессиональных художников, которые приехали расписывать храм. Вот как Малевич вспоминает, как они подглядывали за их работой: «Нам удалось подползти очень близко. Мы видели цветные тюбики, из которых давили краску, что было очень интересно… Волнению нашему не было границ. Мы пролежали часа два». Отец, как водится, хотел, чтоб старший сын занимался нормальным делом и его увлечений живописью не одобрял. Он говорил, что все художники сидят в тюрьме.

   Но темперамент Казимира был таким, что никакие преграды его не смущали. Когда они переехали в Курск, где 17-летний Малевич работал чертежником (семья-то была огромная: 14 детей), он умудрился увлечь живописью своих коллег, художникам даже выделили комнату, они выписали для учебы гипсовые головы и вечера проводили за мольбертами. Но увлечение жителей Курска искусством закончилось в 1904 году: Малевич решил ехать в Москву — учиться по-настоящему. Надо сказать, из этого ничего не вышло. 4 попытки поступить в Училище живописи ваяния и зодчества окончились неудачно. Но он никогда не отступал, жил очень бедно, но интересно. Москва бурлила: на улицах шли баррикадные бои первой русской революции. И Малевича видели на тех баррикадах. Да и в художественном мире шли битвы нового со старым. Довольно быстро Малевич разочаровался в Шишкине и Репине, подружился с футуристами. Он увлекался то импрессионизмом, то фовизмом. У раннего Малевича можно найти влияние самых разных стилей.

   Мы видим то импрессионистическую дымку («Белье на заборе»), то яркие пятна фовистов («Полотеры»). А «Корова и скрипка»- явный кубизм. Он активно участвует в выставках объединений молодых прогрессивных художников, среди которых «Бубновый валет», куда входили бунтари Машков, Кончаловский. А был еще «Ослиный хвост», звучит несерьезно, но его основатели — М. Ларионова и Н. Гончаровой в будущем станут гордостью русского авангарда.

   

   Все искали новые формы. Малевич в начале 1910-х годов нащупал свою тему: » Я остался на стороне искусства крестьянского и начал писать картины в примитивном духе. Сначала, в первом периоде, я подражал иконописи. Второй период был чисто «трудовой»: я писал крестьян в труде, жатву, молотьбу». Надо сказать, крестьянская тема у Малевича пройдет через все его творчество. Вот его «иконописные» работы, крестьянская картина 1912 года, а в 1913 году начнут появляться черно-белые конструкции…  Внимание! Мы подходим к «Черному квадрату».

   

   Кстати, первым черный квадрат придумал французский юморист и художник Альфонс Алле, он назвал свою картину «Битва негров в глубокой пещере тёмной ночью» (1893). Она была вся, естественно, черная, но предполагалось, что на ней изображено что-то конкретное. Малевич своим «Черным квадратом» заявил, что картина не должна ничего изображать.

   Немного истории. В 1913 году футуристы ставили оперу «Победа над солнцем». Оформлением спектакля занимался Малевич. Опера прошла всего 2-3 раза, а декорации остались. Там черный квадрат, творение рук человеческих, побеждал солнце, создание природы. Футуристы вообще любили говорить о могуществе человека и техники. А в 1915 году состоялась выставка футуристов, которая называлась «0,10«. На ней впервые Малевич вывесил «Черный квадрат». Он боялся показывать свои работы раньше времени,  чтоб никто не похитил ноу хау, и в ночь перед выставкой сам развешивал свои картины, разместив «Черный квадрат», как икону, в красном углу. Это реальные фото выставки «0,10»

   

   Буквально в последний момент он повесил табличку «супрематизм». То есть Малевич не только представил новые работы, но и заявил о появлении нового направления.  «Супрематизм» — от латинского Supremus означал превосходную степень, то есть превосходство, в данном случае, цвета, надо всеми другими живописными средствами. Ну идея не нова. Об этом уже начинали говорить и Гоген, и Матисс. А Кандинский еще в 1910 году выпустил книгу «О духовном в искусстве», где говорилось о том же.   Почему иконой новой живописи стал «Черный квадрат»? Может, дело в харизме автора, том темпераменте, с которым он провозглашал свой манифест? «Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим чисто живописное произведение», — писал Малевич.

   Впрочем, дело не только в энергии, с которой он заявил о своем открытии. Сам Малевич утверждал, что, когда он писал картину, которую он называл: «Мой божественный царственный младенец», сверкали молнии, его ученица вспоминала, что, закончив, он рухнул без сил и потом неделю не мог ни есть, ни спать. Возможно, эта энергия ощущается в полотне.

   Есть анекдот: «Пятый раз из музея похищают «Черный квадрат» Малевича, и каждый раз сторож дядя Вася успевает к утру написать новую картину». Но сам Малевич создал еще 3 варианта «Черного квадрата», однако он, и другие считали, что эффекта первого он больше достичь не мог.

   Надо сказать, «Черный квадрат» — не такой уж черный. Сквозь трещинки в красочном слое просвечивают другие краски: розовая, зеленая, желтая. Дело в том, что он писал эту картину поверх других, их краски и видны через трещины. А еще на рентгене просматривалась надпись: » Битва негров в тёмной пещере».  То самое название Альфонса Алле.

   Не так прост и верхний черный слой – Малевич использовал краску особого состава, которую готовил сам. Матовые и глянцевые краски он смешивал так, чтобы получился объемный, бархатистый, «таинственный» и не вполне однородный колорит.

   

   Ученикам Малевич говорил, что если долго глядеть в центр квадрата, то можно увидеть бесконечность и вечность. Так что можно попробовать помедитировать.

   Малевич еще 3 года будет рисовать квадраты разных цветов, круги, кресты, а в 1918 году объявит, что писать в стиле супрематизма закончил, хотя «Мистический супрематизм» напишет позже, и будет делать еще 3 попытки снова написать «Черный квадрат». В первые послереволюционные годы он был активен: служил комиссаром по охране памятников, в 1919 году переехал в Витебск, там работал в училище, основанном Шагалом, писал книги, где теоретически обосновывал супрематизм.

   В 1927 году Малевич выехал в Варшаву и Берлин, там проводились его выставки. Тогда художник вывез весь свой архив, думая остаться за границей. Говорят, ему пригрозили расстрелом семьи, и он вернулся, после чего был арестован как немецкий шпион, но через некоторое время выпущен. Оставленное в Германии постепенно разошлось по музеям мира. Выставки работ Малевича и в последующие годы будет проводиться и в России, и за границей, но больше он из страны не выезжал, а в 1930 году был ненадолго арестован снова.

   То, что художник писал в конце 20-х годов, он называл «супрематизм в рамках человеческой фигуры». Это опять изображения крестьянского труда — плоские фигуры, а  на некоторых вместо лиц черное пятно. На обороте одной картины он написал: «Композиция сложилась из элементов, ощущения пустоты, одиночества, безвыходности жизни».  Порой он будет писать картины в духе импрессионизма, а в последние годы перейдет на портреты.

   

   Он хотел, чтоб его похоронили в супрематическом гробу в форме креста. Но гроб был обычный, правда, оформленный в духе супрематизма. Похоронили его в Подмосковье в районе Немчиновки, установив деревянное надгробье с черным квадратом. В годы войны могила затерялась. Сегодня в тех местах установлен памятник в виде белого куба.

   Павел Николаевич Филонов и его аналитический реализм

   Павел Филонов (1883 -1941) родился в Москве в очень бедной многодетной семье. Когда отец умер, ему не было и 5 лет. Удивительно рано этот мальчик начал зарабатывать: с 4 до 11 лет он танцевал на сценах московских театров, вместе с сестрами вышивал полотенца. В 1894 поступил в приходскую школу, которую с отличием закончил.  Говорят, с детства он показывал удивительные способности и волю. Через 4 года после смерти отца мать заболела чахоткой, неизвестно, как выжила бы семья, если бы старшая сестра Саша к тому времени не вышла замуж за бельгийского инженера. Через 2 года, когда не стало матери, Александра Николаевна забрала сестер и брата в Петербург. Ее муж, желая помочь Павлу получить профессию, определил его в живописно-малярные мастерские, после которых он 2 года будет работать маляром-декоратором то в столице, то в провинции. А вечерами — посещать рисовальные классы, заниматься в частной мастерской. В Академию художеств, после нескольких попыток  в конце концов, поступил вольнослушателем, продержался 2 года. а потом был отчислен, как сказал ректор, «за то, что своими работами развращает молодежь». Нет, в его работах никогда не было ничего, развращающего в обычном понимании, в русском авангарде, да и вообще в искусстве мало было людей более высоконравственных. Но он будет открывать новые пути в искусстве, куда молодые будут стремиться от академической рутины.

   После Академии Филонов уехал в деревню, жил в холодной избе и работал. Надо сказать, он всегда будет жить аскетично, часто сознательно отказываясь от оплаты. Одна из картин того периода — «Головы» 1910. Надо сказать, картин с таким названием у него будет несколько. Перед нами маленькая модель человечества: в центре ярко освещен младенец, по-детски радующийся жизни. А вокруг из темноты выступают лица: страстные и угрюмые, горящие и потухшие. Внизу слева сам художник с трагическими глазами.  Немного выше — неясная картина гибели и пожара, но справа всадник на белом коне и рыжий король — надежда на духовное возрождение? Эту картину у Филонова купили, и он полученные деньги решил использовать для путешествия. Сначала, купив лодку, вместе с товарищем отправился по Волге, а потом поехал в Европу — в Италию, Францию — знакомиться с искусством. Из города в город шел пешком, зарабатывая деньги то физическим трудом, то выполняя небольшие заказы людей, дававших ему ночлег. 6 месяцев он странствовал по городам Европы, заходя в храмы и музеи. Из увиденного особенно понравилось ему средневековое искусство, готические витражи и наивность раннего Возрождения. Классическая красота оставила равнодушным — время было для нее не подходящее. Вернувшись из-за границы, он, по его выражению, «сел спиной к окну». Внешние впечатления больше ему были не нужны. Теперь он хотел понять сущность мира. Филонов мог писать реалистические работы, перед нами прекрасный портрет его сестры — Е. Глебовой, но ему это было неинтересно.

   

   На картине «Святое семейство» традиционно изображены Мария, Христос, Иосиф, конь с мудрыми и печальными глазами (один из любимых образов Филонова), птицы, звери растения, — все они одинаково важны. В картинах начала 1910 годов видна условность средневекового и крестьянского искусства,

   Картина «Пир королей» была написана в 1913 году. О чем она? Большинство авторов считают ее предсказанием мирового апокалипсиса. «Пир трупов, пир мести», — говорил Хлебников об этом полотне. Жутковатые персонажи как бы с сорванной кожей, так что видны их кровеносные сосуды, сидят за какой-то ритуальной трапезой. Кстати, еще в Академии на него сердились, что он рисовал людей как бы с содранной кожей. Еще говорят, название «Пир королей» в европейской традиции связывается с темой волхвов. А синяя и красные краски немного напоминают готические витражи. Когда Филонов умер в блокадном Ленинграде, и 9 дней не могли найти доски для гроба, его тело лежало в холодной комнате, покрытое этим полотном.

   В 1915 году он напишет картину «Германская война» — руки, ноги, мировой хаос. Но чьи это светлые лики наверху? Богоматерь? Матери?

   

   В 1916 году его призвали на войну, он будет служить рядовым второго морского полка до 1918 года. А потом приедет в Петроград сдавать знамена полка, и т ам останется. Он активно включается в создание нового искусства.

   Филонов писал, что и реалисты, и модернисты однобоко изображают мир, а ему хотелось передать его многообразие. Еще до войны он сформулировал особенности своего метода, назвав его «аналитическим реализмом». Он не случайно назовет себя художником- исследователем. Для него быть художником значило не только владеть живописными приемами, но быть в курсе достижений современной науки, чтоб опираться не только на видящий глаз, но и на «знающий глаз». Он прочел множество книг: от Линнея и Дарвина до Маркса и Циолковского.
   Филонов считал, что должен видеть внутренние закономерности жизни, вплоть до атомов и молекул, из которых состоят как живые существа, так и неорганический мир, изображать жизнь в развитии.  Это объясняет его особый метод создания картины. Филонов писал, что « картина развивается из точки, подобно прорастающему зерну».  Тончайшей кистью он будет прорисовывать пеструю мозаику жизни, где все взаимосвязано. Поражает тщательность и скрупулезность проработки художником каждого участка картины.  Вот работы художника первых послереволюционных лет. Они дают наиболее полное представление о аналитическом методе художника. Вкладывал ли он определенный смысл, когда от точки к точке строил эту яркую мозаику? Наверно, он подключал интуицию и давал формам и краскам перетекать одна в другую, создавая светлый и радостный мир. И если в «Формуле петроградского пролетариата» мы можем различать фигуры и предметы, то «Формула весны» это жизнь абстрактных фигур, которые движутся и развиваются по своим законам.

   

   Картины несут удивительно позитивный заряд. Надо сказать, революцию Филонов принял, в первые годы он участвовал в выставках, в частности, в Берлине, у него появилось много учеников и последователей, с которыми он терпеливо занимался, но требовал строжайшей дисциплины, самоограничения.   Он учил не только живописи, но считал, что в работе художника очень важен интеллект. В середине 20 -х годов ни у одного художника не было столько учеников, как у него. И  даже когда в 1928 школу официально закрыли, занятия продолжались до самой смерти Филонова.

   Надо сказать, он  отказывался от оплаты за уроки, хотя всегда очень нуждался, зарабатывая на жизнь случайными заработками.  К нему приходили иностранцы, предлагая купить картину, но здесь у него тоже был свой принцип: он хотел все передать бесплатно своей стране.

   В 1931 году его назвали в газете «помешанным врагом рабочего класса». В 1936 году термин «филоновщина» стал синонимом всего вредного в искусстве. Наверное, он пытался как-то встроиться в новую жизнь.  Однажды написал огромный портрет Сталина. В 1935 нарисовал рабочих — ударников труда с суровыми лицами.

   

   И в том же году написал картину, которая возникла во время слушания 1 симфонии Шостаковича. Говорят, художник начинал работу из угловой части холста, а потом тонкой кисточкой прорабатывал мелкие элементы, переходя от одного к другому.  В симфонии Шостаковича слышны разные эмоциональные состояния. Тревожному вступлению соответствуют лица в нижней части картины.  Говорят, женское лицо в центре картины олицетворяет тему, которую исполняет флейта. Суровые мужские лица соответствуют теме судьбы в 3 части, а светлые лучи — образ надежды на будущее. Все эти лица возникают из пестрой мозаики жизни, внося в нее красоту и упорядоченность.

   Когда началась война, он остался в блокадном Ленинграде. Немцы бомбили каждую ночь. Филонов поднимался на крышу, чтоб тушить зажигательные бомбы. Все ленинградцы делали это, но у художника был дополнительный повод не допускать пожара: на чердаке лежали все его работы. Он хотел, чтоб они уцелели не из авторского тщеславия, Филонов надеялся, что его картины помогут людям стать лучше, хотел, чтобы «человечество вошло в будущее не таким кретином, каким является ныне«. После одного такого дежурства он заболел воспалением легких и очень быстро умер. Сестра передала его работы в Русский музей, где они лежали в запасниках несколько десятилетий. И лишь в 60-е годы они иногда стали выставляться. Филонов мечтал, что когда-то будет музей работ его и учеников. Пока такого музея нет, хотя интерес к его работам как в России, так и за рубежом очень велик. 
   Посмотреть и скачать презентацию вы можете, пройдя по ссылке: https://ocs.google.com/presentation/d/1D9XXp5DbRsF2QHzXAiKGvyLwYlNW-Zmy/edit?usp=sharing&ouid=115023533348382665675&rtpof=true&sd=true

   Вопросы для художественной школы

   Контрольная №1

   1. 1. 1. Кандинский заинтересовался живописью после того, как на выставке увидел…
         2. В 1902 он написал картину, а в 1911 с Марком Францем создали группу с таким же названием…
         3. В 1889 году Кандинский ездил в этнографическую экспедицию на…
         4. Впечатления от этой поездки отразятся в картинах.
         5. В 1910 году Кандинский выпустил книгу, где обобщает свои размышления об эмоциональном воздействии цвета. Она называлась…
         6. Зеленый цвет, по Кандинскому, выражает…
         7. Он часто думает, чтобы получить ощущение гармонии, достаточно…
         8. Некоторые свои работы начала 10-х годов он называет…
         9. Этот город он считал своим живописным камертоном
         10. После революции Кандинский жил в странах…
         11. По его мнению, фиолетовый цвет…
         12. В картине «Композиция Х» он изобразил идеальную…
         13. Марк Шагал родился в…
         14. В Петербурге он учился у…
         15. В 1910 году с помощью мецената Шагал уехал в…
         16. Он считал, что искусство это…
         17. Какую картину он написал на скатерти?
         18. Он всю жизнь любил эту женщину
         19. После революции Шагал основал в Витебске…
         20. Для преподавания он пригласил…
         21. Чем занимался Шагал в эмиграции?
         22. После еврейских погромов Шагал написал картину…
         23. Назовите картину и автора

    

   Контрольная №2

   1. 1. 1. Малевич в детстве стал рисовать после того, как увидел…
         2. Какими направлениями в живописи он увлекался, когда жил в Москве?
         3. Он участвовал в выставках объединений художников…
         4. В начале 1910 годов он много рисовал (кого?)
         5. Первым «Черный квадрат» нарисовал…
         6. В 1913 году он оформлял оперу…
         7. Свой «Черный квадрат» Малевич впервые представил на выставке…
         8. Основанное им направление в живописи он назвал…
         9. Это слово означает…
         10. Сколько вариантов «Черного квадрата» он создал?
         11. После выставки в Берлине Малевич был…
         12. То, что художник писал в конце 20-х годов, он называл…
         13. С 4 лет Филонов зарабатывал (чем?)
         14. Первая его профессия была…
         15. Продав эту картину, Филонов смог отправиться путешествовать по Европе.
         16. Эту картину многие считают предсказанием мирового апокалипсиса.
         17. С 1916 по 1918 он был…
         18. Свой живописный метод Филонов назвал…
         19. Он писал, что картина развивается из точки, подобно…
         20. Он не продавал свои картины иностранцам, потому что…
         21. В 1931 году Филонова назвали в газете…
         22. Когда он умер в блокадном Ленинграде, его тело несколько дней было накрыто картиной…