А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Н. Рерих и русская культура начала XX века

Начало XX века было временем расцвета русского искусства. В это время в России появились десятки прозаиков, поэтов, художников, музыкантов, деятелей театра, которые стали значимыми не только для России, но и для всего мира. В живописи наряду с реалистами работают и молодые художники: К. Коровин, Л. Бакст, А. Бенуа, Сомов, Н. Рерих , которые ищут новые темы и средства выражения в искусстве. Они объединились вокруг журнала  «Мир искусства». 

Содержание

1. 1. Некоторые факты русской истории начала XX века
   2. Художественная жизнь России на рубеже XIX-XX веков. «Мир искусства»
   3. Русские меценаты: Мамонтов, Морозовы и др.
   4. Сергей Павлович Дягилев и его «Русские сезоны»
   5. Александр Николаевич Бенуа
   6. Константин Андреевич Сомов
   7. Лев Самойлович Бакст
   8. Николай Константинович Рерих
   9. Микалоюс Константинас Чюрлёнис

Некоторые факты русской истории начала XX века.

1. 1. • В 1904 началась русско-японская война, очень неудачная для России. Русский флот не мог противостоять натиску японцев.
      •  9 января 1905 года правительственные войска   расстреляли мирную демонстрацию петербургских рабочих, направлявшихся с петицией к императору. Это событие вошло в историю как «Кровавое воскресенье».
      • Его считают началом первой русской революции. 1905-07 годов.  По всей России прокатилась волна восстаний, забастовок, крестьянских восстаний. Драматические события продолжались 2 года, и лишь в 1907 положение в стране стабилизировалось.
      • 19 июля 1914 года Германия объявила войну России. Началась Первая мировая война.
      • В 1917 году в феврале в России произошла вторая революция, получившая название «Февральская» в результате которой в марте царь Николай II отрекся от престола, к власти пришло Временное правительство.
      • В 1917 году в октябре к власти пришли большевики. Это событие называется Октябрьская революция.

Художественная жизнь России на рубеже XIX-XX веков. «Мир искусства»

Все эти события, конечно, наложили отпечаток как на судьбы, так и на творчество творческих людей того времени. Однако надо заметить, что художники нового века в отличие от их коллег 2-й половины XIX общественная жизнь России интересовала мало, и сюжеты своих работ они черпали в прошлом. Их привлекал XIII век, эпоха барокко, русская древность. Отсюда древнерусские сюжеты у Рериха, любовь к XVIII веку у Бенуа и Сомова.

Кроме того, наиболее ярких авторов интересовали не внешние события, а внутренняя жизнь человека, был большой интерес к религии и мистике. И всех очень интересовали поиски новых форм в искусстве.  Они считали, что передвижники слишком большое значение уделяли идейности картин, пренебрегая художественной формой.

Именно такие художники войдут в состав объединения «Мир искусства», а потом станут сотрудничать в журнале с тем же названием, который начнет выходить в ноябре 1998 года. В круг «мирискусников» войдут интеллектуалы, закончившие лучшую петербургскую гимназию Карла Мая: Бенуа, Сомов, Философов. Позднее к ним присоединятся Бакст, Серов, Нестеров, Васнецов, Коровин, Врубель и др. Журнал «Мир искусства» знакомил читателей и с современными художниками, и их теоретическими трудами. Сначала его изданием руководили княгиня М. К. Тенишева и С. И. Мамонтов, но с 1902 года этим занялся С. П. Дягилев. С 1903 года к редактированию журнала активно подключился А. Н. Бенуа, который был и талантливым художником, и блестящим знатоком искусства.

Русские меценаты

Прежде, чем говорить о художниках, скажу еще о людях, без которых не было бы русского Ренессанса — просвещенных меценатах, без их поддержки новые начинания не могли бы осуществиться. Еще со времен Римской империи так называли людей, которые покровительствовали науке и искусству, поддерживали культуру из своих средств. В конце 19 века было не мало оригиналов, готовых вкладывать деньги в театральные постановки, покупать картины, издавать журналы, причем не только из соображения выгоды. Мы уже знаем о Павле Третьякове, который собрал лучшую коллекцию картин русских художников и в конце жизни подарил ее Москве. Большую роль в развитии русской культуры сыграл Савва Мамонтов. Это он создал первую в России частную оперу, где ставились оперы Римского-Корсакова и других русских композиторов. Там начинал петь Ф. Шаляпин. Лучшие художники: Коровин, Врубель и другие оформляли там спектакли. Вокруг Саввы Мамонтова объединялись самые интересные живописцы России. В его доме подолгу жили Репин, Васнецов, Коровин, Нестеров. Там прошли юные годы Серова, без поддержки Мамонтова мог не состояться Врубель. Савва Мамонтов, серьезный предприниматель, строитель железных дорог, на свои деньги создал первую русскую частную оперу. Подробнее о нем можно почитать в моем материале, пройдя про ссылке В усадьбе Абрамцево у Сергея Аксакова и Саввы Мамонтова

Без промышленника Саввы Морозова не было бы знаменитого Московского Художественного театра. А коллекция картин импрессионистов и постимпрессионистов, которую собрали братья Щукины — одна из лучших в мире. Сергей Щукин покупал Матисса и Пикассо, когда их еще не признавали в Европе. И русские художники знакомились с самым современным искусством в особняке Щукиных. Мария Клавдиевна Тенишева тоже поддерживала художников, она на свои деньги открыла несколько студий и мастерских, где обучались будущие художники.

Сергей Павлович Дягилев и его «Русские сезоны»

Особо надо сказать о Сергее Павловиче Дягилеве, сыгравшем большую роль в развитии русского искусства. Дягилев с юности увлекался театром, музыкой. Но у него был свой особый талант: он был гениальным организатором, в те времена таких людей называли «импресарио», сегодня -» театральный менеджер или продюсер». Он приехал в Петербург из Перми в 1890 году учиться на юриста, но увлекся театром, музыкой. Именно он стал  создателем объединения художников «Мир искусства», он же в 1898 году убедил С. Мамонтова и М. Тенишеву стать учредителями одноименного журнала. Дягилев организовывал выставки молодых художников, открывая публике новые имена русских символистов и представителей модерна.

Но самая важная страница биографии Дягилева — организация Русских сезонов в Париже. В 1907 году он впервые привез русских музыкантов в Париж, т и столица искусства открыла для себя Рахманинова, Шаляпина, Римского-Корсакова. Концерны имели успех, и в 1908 году Париж аплодировал русскому балету.

Успех был фантастическим.  Публика была покорена мастерством балерин Анны Павловой, Тамары Карсавиной. Танцор Вацлав Нижинский, который легко перелетал от одной кулисы до другой, словно зависая в воздухе, стал легендой. Балеты Михаила Фокина «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная», показали публике, каким сегодня должно быть это искусство.  Дягилев открыл Европе русскую музыку: Римского-Корсакова, Бородина и, особенно, Мусоргского. Он показал Европе Шаляпина в «Борисе Годунове», после чего великий русский бас стал звездой мировой оперы.

А еще парижане были восхищены потрясающими декорациями, а модницы бежали к своим портным, умоляя сделать им наряд, как у Клеопатры из вчерашнего спектакля.  Русские художники тоже произвели революции в создании зрительного образа спектаклей. Дягилевские сезоны продолжались до 1929 года —  смерти маэстро — не только в Париже, но и Италии, Германии, США. Он мечтал о гастролях в России, но после начала 1 мировой войны, а потом революции это было невозможно. По словам А. Бенуа, «ни одна из затей не получила бы своего осуществления, если бы Дягилев не возглавил её и не привнёс бы своей энергии туда, где творческого начала было уже много, но где не было главного — объединяющей роли». Действительно, Дягилев на протяжении многих лет не только умудрялся соединять воедино очень сложных творческих личностей, но и решать многочисленные материальные проблемы. Великий импресарио всегда умел найти средства для своих постановок.

Именно Русские сезоны Дягилева, оформление оперных и балетных спектаклей, принесли мировую славу художникам, его коллегам по «Миру искусства», Александру Бенуа, Льву Баксту, Николаю Рериху и другим.

Александр Николаевич Бенуа (1870 — 1960)

Семейство Бенуа, имея франко-итальянские корни, вынесло большой вклад в развитие русской культуры. Среди Бенуа были архитекторы, реставраторы, музыканты, художники. Так что интерес Александра к театру, живописи, архитектура русских усадеб был закономерен.  Конечно, он получил прекрасное образование, закончив одну из лучших петербургских гимназий. Походил было в Академию художество, но разочаровался, в итоге поступил на юридический факультет университета, а в живописи решил до всего доходить сам, благо среди близких родственников было достаточно художников, которые могли дать совет. Он много и упорно рисовал, а еще очень серьезно занимался теорией и историей искусства, что сделало его одним из самых образованных искусствоведов России. На юридическом факультете вместе с Александром Бенуа учился Сергей Дягилев. И это знакомство отчасти определило развитие русского искусства. Если Дягилев был организатором сначала объединения художников, а затем журнала «Мир искусства» и Русских сезонов, то Бенуа был самым эрудированным и талантливым автором статей, а потом главным художником дягилевских спектаклей.

С детства очарованный красотой дворцов и парков в окрестностях Петербурга, в середине 90-х годов он впервые попал Версаль, пригород Парижа, загородную резиденцию французских королей и навсегда полюбил это место. Так что среди его пейзажей Версаль, а также российские Петергоф, Ораниенбаум, Павловск займут очень важное место. Пейзажи, правда, у Бенуа были особенные: ему хотелось представить ту жизнь, которая протекала на этих аллеях два века назад. Среди версальских пейзажей ему виделся «Король-Солнце» Людовик XIV, который важно ступает по парку в сопровождении придворных. Бенуа напишет несколько серий работ, о Версале, используя акварель, гуашь, темперу и пастель. Вот что он писал племяннику Евгению Лансере: «Я упоён этим местом, это какая-то невозможная болезнь, преступная страсть, странная влюблённость». Версаль Бенуа загадочен, в полусумраке гуляют то ли живые люди, то ли призраки былого.

Бенуа был очень начитан, поэтому историю Франции знал прекрасно, но на его версальских пейзажах не история, а скорее мечты о прекрасном гармоническом соединении природы, архитектуры, людей. «Мне хотелось восстановить в своих изображениях более роскошное прошлое… населить его ожившими тенями… Как-то особенно трогает при этом мысль, что все, что видишь, когда-то служило фоном для пестрой суеты канувших в вечность поколений».

При всей любви к Версалю Бенуа не мог забыть те чувства, которые он испытывал, когда маленьким мальчуганом ходил, держась за руку отца, по петергофским аллеям. К слову сказать, его отец, Николай Леонтьевич Бенуа был главным архитектором Петергофа. Существуют циклы о Петергофе, Ораниенбауме. Бенуа любил Петербург и посвятил ему немало своих работ. Часто на них тоже изображены важные персонажи русской истории. Энергичный Петр I в окружении придворных идет по Петергофу, своему любимому загородному дворцу.

Об императоре Павле I существуют разные мнения. Одни говорят о его уме, другие — о самодурстве и о муштре, которая царила тогда в русской армии. На картине «Парад при Павле I» мы видим солдат, марширующих под снегом. Справа на коне император, к нему подходит солдат, одетый по форме того времени в парике с косичкой. На заднем плане — строящийся Михайловский замок. Павел проживет там всего 40 дней и будет убит заговорщиками.

А еще Бенуа — автор прославленных иллюстраций к повести Пушкина «Пиковая дама» и поэмы «Медный всадник», о прекрасном Петербурге, его создателе Петре I и маленьком человеке Евгении, жертве разбушевавшейся стихии — наводнения.  «Медным всадником» в Петербурге называют памятник Петру, созданный скульптором Фальконе.

Рисуя виды Версаля и Петербурга, населяя их лицами из ушедших веков, Бенуа невольно создавал спектакли на историческую тему. Поэтому естественно, что первым художником- постановщиком дягилевских балетов стал именно А. Бенуа. Кстати, именно ему принадлежала идея представить за рубежом балетные спектакли. Художник поставил балеты «Павильон Армиды», «Сильфиды», «Жизель», «Петрушка» и спектакль «Соловей» по сказке Андерсена.

После революции 1917 года Александр Бенуа несколько лет занимался работой по сохранению пригородных дворцов и парков Петрограда и Русского музея. В 1917-1926 годах он заведовал Картинной галереей Эрмитажа. И все же в 1926 году он покинул Россию. Бенуа не собирался оставаться за границей навсегда, ждал возможности вернуться, но не дождался. Он жил в Париже, рисовал, создавал декорации для театра.

Константин Андреевич Сомов (1869 — 1939) 

Как и Александр Бенуа, Сомов с детства был погружен в атмосферу искусства. Его отец был главным хранителем Эрмитажа, мать великолепно пела, и перед мальчиком стоял вопрос: заняться живописью или музыкой. Сомова отдали в ту же гимназию Мая, самую прогрессивную в Петербурге, где учился А. Бенуа, который будет потом вспоминать тихого мальчика в коричневой курточке с галстуком, завязанным бантом. «Меньше всего я мог тогда подозревать, что Сомов станет когда-нибудь художником, да еще к тому знаменитым художником, и что его слава как бы затмит ту, которая мне иногда мерещилась в моей карьере».  Неожиданно для всех он успешно сдал экзамены в Академию художеств, учился у самого Репина, а после ее окончания уехал продолжать образование в Париж, где все увлекались Гогеном и импрессионистами. К ним молодой художник останется равнодушным, его увлекают аллеи Версаля, образы XVIII века, как и его друга Бенуа, который называл Сомова «создателем идиллического стиля минувшей жизни». Он тоже будет писать сценки из жизни 18 века, изображая мир маскарадов, дам в париках, кавалеров галантных и легкомысленных. Это прелестный мир, на который художник смотрит с долей иронии.

В XIX веке Сомов тоже найдет свою ноту: поэтический немного грустный мир тургеневских девушек. (Фейерверк). На самой его известной картине «Дама в голубом» изображена женщина в платье середины века с томиком стихов и печальным взглядом. Надо сказать, это стилизация под ушедшую эпоху. На картине современница Сомова, художница Елизавета Мартынова. Она была одной из первых женщин, которые учились в Академии художеств, но вынуждена была бросить учебу из-за туберкулеза и умерла в 36 лет.

Картина имела успех и была приобретена для Третьяковской галереи. Кстати, Мартынова была против продажи. «Вы не должны и не имеете права продать мой портрет. Я позировала Вам для Вас, для чистого искусства, а не для того, чтобы Вы получили за мою грусть в глазах, за мою душу и страдания деньги… Я не хочу этого! Оставьте портрет у себя, сожгите его, если Вам так жаль отдать его мне, подарите его даром в галерею… » Сомов нуждался в деньгах. Он продал портрет. Но зато зрители могут видеть один из самых печальных и красивых портретов начала XX века, где запечатлена не только личная драма этой женщины, но и болезненность, надлом эпохи рубежа веков.

Сомов был и мастером портрета. Один из самых известных — портрет Блока. Правда, самому поэту портрет не понравился. Он писал: «Сомов в этом портрете отметил такие мои черты, которые мне самому не нравятся». Критиковали его и другие современники.

О Сомове Бенуа писал так: «Все его произведения проникнуты духом нашего времени: безумной любовью к жизни, и в то же время каким-то грустным скептицизмом, глубочайшей меланхолией от «недоверия к жизни».

А вот цитата из другого современника Сомова И. Грабаря: «Изящная грусть его картин  придает им особое, несравненное очарование и какую-то странную загадочность».

Лев Самойлович Бакст (1866 –1924)

В отличие от Сомова и Бенуа Бакст не принадлежал к культурной элите Петербурга. Он родился в еврейской семье в городе Гродно, после окончания гимназии поступил вольнослушателем в Академию художеств, но потом стал брать уроки у художника Альберта Бенуа и познакомился с его младшим братом Александром. Правда, пути их пересекутся позднее, а пока он отправляется в Париж, где живет, как все молодые гении со всего мира, осваивая язык современного искусства. Вернувшись в Петербург, он присоединился к «Миру искусства».  Их общий друг Д. Философов писал: «У Шуры появился молодой человек, рыженький, кудрявый, с близорукими, добрыми глазами и по-детски наивной улыбкой. Он очень скоро сдружился с нами и стал необходимым участником нашего кружка».  Он работал в журнале, возглавляя отдел, а еще Бакста пригласили учить рисованию детей брата императора. Дела его шли в гору. В начала 1900-х он пишет портреты своих современников, среди которых мы видим А. Бенуа, С. Дягилева.

Зинаида Гиппиус, хозяйка самого известного литературного салона в Петербурге, талантливая поэтесса и экстравагантная женщина изображена в непривычном тогда наряде — в брюках. Он был хорошим портретистом, но мировую славу Бакст завоевал своими костюмами к Русским сезонам Дягилева. Пожалуй, ни один русский художник, оформлявший балетные спектакли, не имел такого успеха. По свидетельству современников, «Париж подлинно пьян Бакстом». Он делал декорации и костюмы к балетам «Клеопатра, «Шехеразада», «Карнавал» и «Нарцисс».  Благодаря ему, парижские модницы стали носить тюрбаны, шаровары, русские шали. Его костюмы выставлялись в Лувре.

Впервые цвет и декорации играли не меньшее значение в спектакле, чем само действие. Имя Бакста, ведущего художника “Русских сезонов”, гремело наряду с именами лучших исполнителей и знаменитых балетмейстеров. Художник утверждал, что в театре теперь надо не слушать, а смотреть. Бакст догадывался об эмоциональном воздействии цвета: «В каждом цвете существуют оттенки, выражающие иногда искренность и целомудрие, иногда чувственность и даже зверство, иногда гордость, иногда отчаяние. Это может быть… передано публике… Именно это я пытался сделать в «Шахерезаде». На печальный зеленый я кладу синий, полный отчаяния… Есть красные тона торжественные и красные, которые убивают… Художник, умеющий извлекать пользу из этих свойств, подобен дирижеру…».

Под влиянием художника из России стала меняться парижская мода. “Клиентки приходили с красивой акварелью, купленной у Бакста за большие деньги”. В дорогих французских магазинах стали продавать  разработанные им ткани «Одалиска» и «Шахерезада». Для парижского кутюрье Поля Пуаре Бакст создавал оригинальные орнаменты и утонченные узоры. Русские меховые шапки наподобие боярских, пальто, похожие на тулупы извозчиков, народные орнаменты и вышивки, высокие сапоги впервые появились в Париже благодаря Баксту. В Россию художник наезжал нечасто, но им созданы эскизы костюмов для великосветских балов. Его ткани были популярны не только в Европе, но и в Америке, они пользовались настолько большим успехом, что началось даже производство контрафактной продукции «под Бакста».  Для создания их Бакст изучал, в частности, узоры американских индейцев. Вот как писал о тканях Бакста журнал «Вог»: “Эти принты – варварские до предела, но не грубые и не эксцентричные. Счастье для женщин, которые больше не хотят носить в городе черное, а за городом – белое! Узоры Бакста с их чудесными оттенками и оригинальным дизайном, которые созданы с безусловным остроумием, – превосходный способ самовыразиться и одновременно сделать это комильфо”.

Его влияние в мире высокой моды чувствуется до сих пор. На основе его работ была сделана коллекция Ив Сен-Лорана 1976 года «Русские сезоны», Египетская коллекция Кристиана Диора 2004 года, византийская тема Дольче Габана 2013 года и других.

Николай Константинович Рерих (1874-1947)

Николай Константинович и родился, и вырос в Петербурге в семье нотариуса. Там закончил гимназию, поступил на юридический факультет университета, и в то же время слушал лекции по истории. Одновременно учился в Академии художеств. Его преподавателем был Архип Иванович Куинджи, человек удивительной духовной чистоты и доброты — не просто учитель, а духовный наставник. Очень важным для Рериха местом была Извара, поместье, куда семья уезжала каждое лето. Именно там он в 9 лет впервые принял участие в раскопках.  С той поры археология стала его страстью. Учась в 4 классе, он нашел в могиле недалеко от их дома золотые вещи Х века. В 1910 г. Рерих совместно с Н. Е. Макаренко провели первые археологические раскопки в Новгороде. Постепенно у него собралась большая коллекция, насчитывающая тысячи экспонатов.

Наряду с археологией он увлекался культурой Древней Руси. Рерих первым стал говорить о великом значении русских икон. Старые храмы были для него, возможно, вместилищем великого русского духа.  Этот дух Рерих стремился воплотить на своих полотнах русского периода.

Его дипломную работу «Гонец» купил Третьяков для своей галереи. Содержание ее обычно передают так: вспыхнула междоусобица, и гонец едет к соседям, чтобы предупредить их об опасности. А, может, картина о другом: гонец — человек, едущий с вестью. Мудрый старец, в его лице нет тревоги, он погружен в глубокую думу. Какую весть он несет?

Художника интересуют не столько конкретные исторические события, сколько их духовная суть. На его картине «Небесный бой» не просто небо, покрытое летящими облаками, а невидимая битва добра и зла. Картина «Голубиная книга» иллюстрирует русский народный духовный стих с одноименным названием. По легенде Святая книга упала на землю из грозовой тучи. Сотни христиан пришли посмотреть на книгу, но никто не отваживается дотронуться до нее. Только мудрейший царь Давид Евсеевич, приблизился к ней. Она раскрылась, открыв ему слово Божие.

Люди далеко не всегда есть на его картинах, но если есть, то это личности высокой духовности. Пантелеймон-целитель, один из любимых русских святых, собирает только ему известные лекарственные травы.

В 1906 году Сергей Дягилев организовал выставку русских картин в Париже. Там были представлены шестнадцать работ Николая Рериха. А в 1909 году он оформлял оперу «Иван Грозный» Римского-Корсакова и «Половецкие пляски» из «Князя Игоря» Бородина. Но в 1915 году его жизнь резко изменилась. Николай Константинович заболел. Для поправки здоровья ему рекомендовали ехать на юг. Но он проехал на свой любимый север. А в 1918 году эта местность отошла к Финляндии. Он мог перебраться в Россию. Но не стал этого делать. Почему? В его биографии много белых пятен. Известно, что наряду с русской духовностью его рано начнет интересовать философия и религии Востока.

Рерих вспоминал, как в детстве поразила его картина, висевшая в Изваре. На ней изображена гора на закате солнца. Потом оказалось, что это гора Канченджанга, одна из высочайших вершин Гималаев на границе Индии и Китая. Он узнал, что даже само название Извара имеет индийское происхождение. Еще во времена Екатерины неподалеку жил индийский раджа.

Рерих много думает об Индии, пишет о духовном родстве наших народов. Его интересует проблема переселения народов в древности. И, оказавшись за границей, он начинает искать возможность попасть в эту страну. Известно, что после Финляндии его путь полегал через Данию, Норвегию, Англию там проходили его выставки.

Он надеялся получить в Англии разрешение на въезд в Индию, которая тогда была ее колонией. Но англичане разрешения не дали. В 1920 году ему предложили организовать большое выставочное турне по 30 городам США. В Америке Рерих заработал репутацию провидца, гуру и противника войны. В ноябре 1923 года открылся нью-йоркский музей Николая Рериха, содержащий большую коллекцию картин художника. В том же году Рерих с женой Еленой Ивановной и сыновьями — Юрием и Святославом, наконец, смогли отправиться в Индию.

Они обосновались в княжестве Сикким у подножья Гималаев. Как ни странно, едва обосновавшись там, Рерих начинает готовиться к экспедиции через горы и пустыни, а конечный путь экспедиции — Москва. Центрально-Азиатская экспедиция продолжалась 4 года. Рерихи посещали тибетские монастыри и храмы, где хранятся старинные рукописи.

Поразила путешественников часто повторявшаяся в этих местах легенда о том, что Христос в юные годы вместе с караваном приехал в Индию, где учился у гималайских мудрецов. Экспедиция идет под американским флагом, ее участники ведут большую исследовательскую работу, Рерих много пишет картин, но в его записках все чаще мелькает слово «Шамбала». О Шамбале и сегодня много пишут, как о священной стране мудрецов, расположенной в недоступных горах. Говорят, что именно махатмы Шамбалы тайно управляют миром. Ходят предания о тайных подземных ходах, ведущих туда, о том, что без согласия владык Шамбалы ни один человек не найдёт туда дорогу.

Рерих верил в то, что Шамбала существует, что это место, где земной мир соприкасается с высшим состояние сознания. В пути он собирал сведения о том, где находится эта страна. Один лама, указав на Канченджангу, сказал: «Там находится вход в священную страну Шамбалу. Это ведь та самая гора, которая была изображена на картине, висевший в  Изваре. Знаки Шамбалы мы постоянно находим на его картинах. «Ригден-Джапо, владыка Шамбалы». Рерих подарил эту картину монгольскому правительству. Те были поражены, именно такая картина привиделась одному уважаемому ламе месяц назад.

Гесер-хан, герой тибетских мифов, посланный небом, чтоб очистить землю от чудовищ. Сказания о Гессер-хане связаны с легендами о Ригден-Джапо, владыке Шамбалы. С его приходом должен установиться справедливый мир.

Экспедиция Рерихов — таинственное предприятие. Вроде, ее цель — исследование Центральной Азии, создание картин и сбор этнографических и археологических материалов. Но кто-то говорит о том, что она имела религиозную миссию, а кто-то — что Рерих шел по заданию Москвы. В Хотане у Рерихов появилось знаменитое письмо Махатм для передачи Советскому правительству и ларец с гималайской землёй на могилу «Махатмы Ленина».

Когда Рерихи приехали в Москву, письмо вместе с ларцом земли на могилу Ленина было передано Чичерину и Луначарскому. Говорят, Рерих должен был встретиться с Дзержинским, но в то время, когда он сидел в его приемной, Дзержинский умер, Рерихам посоветовали срочно уехать из Советского Союза. Они пересекли Россию, вышли через Алтай в Монголию. На Алтае экспедиция задержалась на некоторое время. Рериха очень интересовали русские предания о Беловодье, стране справедливости и счастья. Рерих был уверен, что это все та же Шамбала.

Рерихи были уже в Монголии, когда пришла телеграмма из Москвы с требованием их задержать, но ответили, что они уже покинули страну. Обратный путь был полон драматических событий. Во время перехода через Тибет они были остановлены, вроде бы, ненадолго для осмотри и получения разрешения для дальнейшего путешествия. В итоге, они простояли на Тибетском нагорье 5 месяцев. Началась суровая зима, а у экспедиции были лишь летние палатки.

Но даже в таких условиях члены экспедиции собирали коллекции растений и минералов. Николай Константинович написал более 500 этюдов и картин. Лишь в начале марта им разрешили двинуться в путь. Позднее выяснилось: англичане заподозрили, что он — российский шпион, а они и без того опасались влияния России в Индии. Но в конце концов, экспедицию пришлось пропустить. Говорят, сведения, полученные в ходе этой экспедиции, были бесценны, но главным ее итогом были сотни картин, написанных Рерихом.

Мир гор у Рериха совершенно необычен и может представиться причудливой фантазией, но те, кто бывал в Гималаях, тоже свидетельствуют, что Рерих не выдумал свои горы, они выглядят именно так.

Для Рериха Гималаи – это не высочайшие горы в мире — это живой организм, обладающий своим особым настроением, горы божественны. Вот что писал в дневниках Рерих о перевале Тангла: «Он считается местом пребывания тридцати трех богов или небесных жителей, и наши монголы и тибетцы сообщили, что было хорошей приметой пересечь перевал в исключительно погожий день».

Все члены семьи Рерихов —  его жена, Елена Ивановна, его сыновья — Юрий и Святослав говорили о том чувстве радости которое поселилось в их душах, когда они поселились в Гималаях. В 1928 году Рерихи основали штаб-квартиру Гималайского научно-исследовательского института Урусвати, который был организован для изучения результатов уже проведённых и будущих исследований. И, вместе с тем, Рерих никогда не думал, что его путь окончится здесь. Уже в середине 30-х годов он стал думать о возвращении в Россию. Планы расстроила война, но после ее окончания сборы возобновились. Николая Константиновича не стало, когда уже все было готово к отъезду.

Микалоюс Константинас Чюрлёнис (1875- 1911)

Чюрленис родился в литовском городе Друскининкае на западе Российской империи. Его родным языком был польский. Сын органиста, Микалоюс с юности серьезно занимался музыкой, в 1894 поступил в Варшавский Музыкальный институт и с отличием его закончил. Кроме искусства он изучает астрономию, интересуется древними космогониями, индийской философией, особенно поэзией и мыслями Рабиндраната Тагора. В 1901 поступил в Лейпцигский университет, и там неожиданно для себя начал рисовать, говорят, чтоб не так было одиноко в чужом городе. Но страсть к живописи не прошла, и 28-летний уже состоявшийся музыкант поступает в Школу изящных искусство в Варшаве. Так, отныне музыка и живопись будут существовать в его жизни параллельно. Он писал пьесы для органа и оркестра, среди них — «В лесу» (1901) и «Море» (1903). Его первая картина называлась «Музыка леса«. Лес и море будут занимать большое место в его искусстве и жизни. Но он не пейзажист. В стихах он писал так:

Я полечу в далекие миры,
в край вечной красоты,
солнца и фантазии,
в заколдованную страну.

Чюрленис довольно рано, уже в 1903 году, начал писать циклы картин, которые напоминают части музыкального произведения.  Они и называются по-музыкальному — симфонии. Вот самая ранняя — «Похоронная симфония». Меркнет солнце. Сгущается сине-лиловый сумрак и отчаяние…

Современники вспоминают, что Чюрлёнис, человек по натуре очень добрый и деликатный, мог выйти из себя только в одном случае. Когда к нему обращались с просьбой «объяснить», что именно изображено на его картинах и как их следует понимать. «Почему они не смотрят? – восклицал тогда Чюрлёнис. – Почему не хотят напрягать свою душу?» В 1905 году он начал создавать цикл работ «Сотворение мира». Он сразу подчеркнул: Это «Сотворение мира», но только не нашего, по Библии, а какого-то другого, фантастического. Хотелось бы создать цикл, по крайней мере, из ста картин». Получилось только 13.

Мы видим, как из хаоса постепенно возникает гармония, появляется форма, цвет. Музыку и живопись Чюрленис соединяет в своих циклах-сонатах.  Сонаты — 3 или 4-частные музыкальные произведения, где каждая часть отличается своими темами, настроением. Вот «Соната моря». Каждая картина соответствует определенным формам и темпу: Аллегро, Анданте, Финал. Allegro — переводится как бурно, радостно, весело. Анданте — «медленно, плавно». Море спокойно. Но на его дне — утонувшие корабли. Финалы сонат часто бывает бурным, эмоциональным. И у Чюрлениса мы видим бушующее море.

А как могут звучать пирамиды? А вот послушайте.  Первая часть — Аллегро —  оживленно. Три голоса. Верхние пирамиды с солнышками на верхушках весело поднимаются вверх, какая выше, а другая ниже, видна мелодия, понятно даже, что веселая. Второй ряд — пирамиды более темные, в них бьют молнии, что создает тоже энергичный ритм. Внизу какие-то неясные тени, музыка глуше, но солнышки вспыхивают и там. Во второй части — Анданте совсем другие краски. Большие неповоротливые пирамиды, уже без солнца. И только внизу — словно воспоминание о солнце из 1 части. Зато в 3-й — Скерцо (шутка) солнце само становится пирамидой, заливая все своим светом.

Картины Чюрлениса дают пищу к размышлениям о жизни. Его Истина — человек со свечой видна сквозь дымку, но десятки мотыльков летят к ней. Вот что о картине пишет автор: «Сзывающий их огонь обманчив, неумолим, жесток. Опалив крылья, обгорев, они гибнут, но всё летят и летят. Достижим ли идеал, истина? Путь к ним тернист. И всё же: « А ты иди, иди без устали… Смотри с высоких башен…» М. Чюрленис.

Дружба для Чюрлениса — это умение поделиться самым дорогим: «Вот возьми; возьми все, чем я владею; все, что свет для меня!»  Картину «Дружба» художник подарил Брониславе Вольман. У поляков были свои меценаты, Чюрленис был благодарен Михаилу Огинскому, который дал ему денег на учебу в Варшаве и Лейпциге. Благодаря семье Вольман бедный музыкант совершил поездку по Европе.

Чюрленис — человек польской культуры. В какой-то момент он стал много думать о культуре своего народа — литовцев, где сохранились свои предания, свои легенды и песни, руководит в Вильнюсе литовским хором, составляет сборник литовских песен, собирает у крестьян произведения народного искусства. В его картинах присутствуют, безусловно, пейзажи его родины. В 1906 году он написал брату: «Я решил все свои прежние и будущие работы посвятить Литве»

Но в то время на родине не было людей, способных понять его искусство. В 1908 году его пригласили принять участие в выставке в Петербурге, тогда же познакомился с художниками «Мира искусств». Отношение к нему было неоднозначным.  В него поверил А. Бенуа, духовные искания художника были близки Н. Рериху, тот потом будет много и глубоко писать о своем литовском коллеге.

Но в Петербурге художнику было тяжело: ни работы. ни денег. Помимо всего прочего, он совсем не был приспособлен к реальной жизни. К недоумению многих еще с юности отказывался от любых должностей, боясь потерять свободу. Чюрленис работает по много часов — пишет картины, музыку. Но тоска неуверенность в себе подтачивает его и так хрупкое здоровье. Он заболевает психическим расстройством. Его настроение передано в жуткой картине «Баллада о черном солнце».

Он пишет триптих «Мой путь», где в аллегорической форме отображает свой творческий и жизненный путь. «Господи! Молю тебя: озари путь мой, ибо сокрыт он от меня. Возглавил я шествие наше, и знаю, что другие тоже пойдут за мной – лишь бы не путями окольными. Предо мной – высочайшие вершины, голые скалы и бездны. Это красиво. Это – бесконечно красиво. Но не знаю дороги, и боязно мне. О нет, не за себя – ведь иду я, а вслед за мной уже идут другие. Господи, они за мной идут, все шествие – длинное, длинное! Один за другим – через долину и долгим речным берегом, и через поле большое, возделанное, тихое, а конец этого шествия в лесу скрывается, и шествию конца нет. Где истина, Господи? Иду, иду». М. Чюрленис «Псалом».
В 1910 году Чюрлениса поместили в нервную больницу под Варшавой. Ему запретили рисовать. Он попытался бежать из больницы. Заблудившись в лесу, был вынужден вернуться в больницу, получив  воспаление легких и кровоизлияние в мозг. Чюрленис прожил всего 35 лет.

Посмотреть репродукции картин Чюрлениса под его музыку можно в моем ролике.

Вопросы контрольных для художественной школы.

1 контрольная 

1. 1. В 1904 началась
   2. 9 января 1905 года произошло событие, известное как
   3. Первая русская революция началась в…
   4. В ноябре 1998 года вышел в свет журнал
   5. Журналом руководили
   6. Меценаты это…
   7. Назовите русских меценатов
   8. Самая важная страница биографии Дягилева — организация…
   9. Русские сезоны принесли мировую славу художникам…
   10. Бенуа учился на юридическом факультете вместе с…
   11. Бенуа напишет несколько серий работ о дворце и парке  в пригороде Парижа…
   12. Он написал иллюстрации к поэме Пушкина …
   13. Медным всадником в Петербурге называют…
   14. Кто предложил Дягилеву представить за рубежом балетные спектакли?
   15. О ком И. Грабарь писал: «Изящная грусть его картин и придает им особое, несравненное очарование и какую-то странную загадочность».
   16. Эти два художника любили 18 век и Версаль.
   17. На картине Сомова «Дама в голубом» изображена…
   18. Кто сказал: «Сомов в этом портрете отметил такие мои черты, которые мне самому не нравятся»

2 контрольная 

1. 1. Назовите 2-3 портрета Бакста
   2. Какие спектакли он оформлял?
   3. Благодаря Баксту в Париже появились русские…
   4. В Америке они пользовались таким успехом, что появились подделки под Бакста
   5. На основании его работ создавались современные коллекции Домов моды…
   6. С 9 лет Рерих увлекся…
   7. В Академии художеств Рерих учился у…
   8. Третьяков купил дипломную работу Рериха…
   9. 2-3 картины о Руси
   10. С детства он помнил картину, где изображена гора…
   11. Он мечтал попасть в страну…
   12. Оказавшись в Индии, Рерих стал готовиться к экспедиции, конечной целью которой была…
   13. Он мечтал найти загадочную страну мудрецов…
   14. С юности Чюрленис серьезно занимался…
   15. Современники вспоминают, что Чюрлёнис, человек по натуре очень добрый и деликатный, мог выйти из себя только в одном случае…
   16. Несколько его циклов будут называться «сонатами» Соната- это…
   17. Назовите его «сонаты».
   18. Настроение последнего года жизни Чюрленис передал в картине…