Рембрандт, Вермеер, Халс и голландская живопись XVII века

Голландская (Нидерландская) живопись XVII века — замечательное явление в мировом искусстве. Здесь работали десятки прекрасных мастеров. Г. Тер Борх,  П. де Хоох,  Г. Метсю,  Я. Стен довели до совершенства картины бытового жанра. В своих пейзажах Якоб Рёйсдал не только виртуозно изобразил неброскую красоту природы своей страны, но и выразил ее душу. Работы мастеров голландского натюрморта П. Класа, В. Кальфа и др. стали настоящей школой для художников последующих поколений и предметом восхищения для зрителей. Голландцы были великими портретистами. Одной из вершин в этом жанре было творчество Ф. Халса. Я. Вермеер написал всего около 40 картин, умер в нищете. Его надолго забыли, и только в XIX веке открыли заново, и он оказался очень современным. Рембрандт, один из самых гениальных художников мировой живописи, соединил в своих картинах реализм с высокой духовностью. За свою жизнь Рембрандт создал около 350 картин, более 100 рисунков и около 300 офортов.

Надо сказать, термин «голландская живопись» принят в основном, в России. Во многих странах она известна как нидерландская. Говорят, у нас это пошло со времен Петра I , который, как известно, ездил учиться корабельному делу в Голландию. Голландские провинции были самыми развитыми, процветающими в составе государства Нидерланды. Именно в голландских городах — Амстердаме,  Дельфте, Харлеме, Лейдене и др. жили великие художники XVII века. Так что есть основания называть искусство Нидерландов того времени голландским.

Чтоб найти нужный вам раздел, кликните по соответствующей строке содержания.

Содержание

1. Золотой век Голландии, кратко
2. Особенности голландской живописи XVII века
3. Франс Халс (1583 — 1666)
4. Ян Вермеер (1632 — 1675)
5. Рембрандт Харменс ван Рейн (1606 — 1669)

Золотой век Голландии, кратко

В конце XVI — начале XVII вся Европа была охвачена войнами: Испания воевала с Англией, 30-летняя война (1618 — 1648) затронула почти все европейские страны, не утихали и религиозные, крестьянские войны. Борьба, которую вели жители Нидерландов с Испанией была не самой крупной в ряду других. Но итог ее привел к значительным изменениям в экономике и культуре Северной Европы.

В 1579 г. была заключена Утрехтская уния, по которой семь северных провинций Нидерландов приняли решение совместно бороться против Испании, под чьей властью Нидерланды находились с середины XVI  века. Крупнейшей из северных провинций была Голландия. Большую часть ее населения составляли протестанты, которых жестоко преследовала испанская инквизиция. В 1609 году Испания признала независимость этой части своей бывшей колонии. В то время как южная часть Нидерландов осталась под властью испанской короны. Там в основном жили католики.

Для настоящей победы  независимому государству потребуются еще несколько десятилетий борьбы, но уже с конца XVI века здесь проводятся мощные преобразования. Главными христианскими  доблестями протестантов были трудолюбие и бережливость, поэтому, получив свободу, они начали активно развивать свою экономику.

В 1602 году была создана Голландская Ост-Индская компания, которая вела торговлю с Китаем, Японией и другими странами, а позднее со странами Африки и Америки. У Голландии был лучший в мире флот. Завезенные в XVII веке из Турции луковицы тюльпанов и по сей день являются одной из основ экономики этой страны. На сравнительно небольших пространствах земли голландцы сумели создать молочное хозяйство, продукты которого ценились на общеевропейском рынке.

В отличие от большинства стран Европы Голландия отличалась веротерпимостью, поэтому сюда стремились не только трудолюбивые протестанты, но и евреи, изгнанные из многих стран. Они ввозили в страну свой капитал. Католиков здесь тоже не преследовали. Поэтому в Голландию стали съезжаются умелые и предприимчивые люди со всей Европы. Здесь развивалась наука, достаточно вспомнить, что именно там Левенгук изобрел микроскоп. Голландцы составляли самые точные географические карты и были прекрасными мореходами. Сюда эмигрировал великий французский физик, математик, основатель аналитической геометрии и философии Нового времени Рене Декарт.

Золотой век Голландии длился недолго: в 1672 году на нее напала сначала Франция, потом Англия. Война длилась 4 года и ослабила страну. А в XVIII столетии лидерство на морях перехватила Англия. И все же Голландия «золотого века» успела оставить заметный след в истории Европы.  Вслед за Англией она создала одну из первых глобальных корпораций — Ост-Индскую компанию. Для ее финансирования в 1602 году были выпущены акции. Скоро Амстердамская биржа стала площадкой, где продавались не только товары, но и ценные бумаги. Так появился современный фондовый рынок. Среди достижений этого периода осталась и великая голландская живопись.

Особенности голландской живописи XVII века

У голландской живописи была мощная основа: великие нидерландские художники Северного Возрождения: Ян ван Эйк, Питер Брейгель, Гуго ван дер Гус, Рогир ван дер Вейден и др. с их интересом к реальной жизни, деталям, быту простых людей. Нидерландцы никогда не идеализировали своих героев, их лица могли быть некрасивыми, но значительными, одухотворенными.

И, тем не менее, началась голландская живопись с отрицания. В протестантской стране уничтожали храмовую живопись, ведь картины в соборах только отвлекают молящихся. Монументальные полотна, украшавшие дворцы, в стране бережливых голландцев тоже неуместны. Нужна ли тогда вообще живопись в мире деловых людей? Оказалось, нужна, но другая, которая сочетается с маленькими уютными голландскими домами. Слегка разбогатев, бюргеры были рады повесить у себя портрет, натюрморт, пейзаж, картину, где изображены сценки из обыденной жизни. Они заказывали полотна многочисленным художникам, а те отточили искусство натюрморта, пейзажа, портрета до совершенства. В Эрмитаже есть зал «малых голландцев».  Вот только некоторые работы этих замечательных мастеров.

Творчество некоторых художников можно назвать подлинно революционным. Таким был портретист Франс Халс. Среди множества талантливых мастеров, встречались и те, которые не укладывался в привычные рамки, они шли своим особенным путем, и, хотя он был негладким, мы говорим о них как о гениях. Это Вермеер и Рембрандт.

Франс Халс (ок. 1583 — 1666) 

Халс родился в самый разгар борьбы Нидерландов с Испанией где-то в начале 80-х годов XVI века в католическом Антверпене. Оттуда его родители, протестанты, должны были уехать. О жизни Халса немного известно. Очевидно, большую часть жизни он провел в Харлеме, где и умер, прожив больше 80 лет. Известно, что в 1610 году Халс стал членом харлемской Гильдии Святого Луки, профессионального объединения художников, что давало ему право иметь свою мастерскую и учеников. Самая ранняя из известных работ датируется 1611 годом. Впрочем, его юношеских картин дошло немного. Авторитет Халса как художника вырос, когда в 1616 году он удачно выполнил крупный заказ, написав групповой портрет членов гражданской гвардии под названием «Офицерский банкет.» Тогда было очень популярно заказывать художникам такие картины, чтоб потом повесить их в зале, где обычно собираются члены гильдии суконщиков, врачей, офицеров и т д.  От художника требовалось, чтоб каждый был хорошо виден, так как все поровну платили ему деньги. Но Халс сумел при этом изобразить всех в свободных и непринужденных позах. Офицеров роты ополчения имени Св. Георгия он напишет еще раз в 1639 году. Кстати, одно время и он был членом этой гильдии.

Такие портреты были выгодным заказом. Да и одиночных портретов художник написал множество. Известно их около 300, хотя, так как он часто не ставил свое имя, предполагают, что их было больше. У него было немало заказов от людей богатых и влиятельных. И, тем не менее, пишут, что Халс всегда нуждался. Объясняют это необходимостью кормить большую семью: от двух браков у него было 12 детей. Кстати, 5 сыновей стали художниками. Говорят, что у него был непростой нрав. Хотя, наверное, дело не только в этом. Он часто писал не тех и не так, как другие. Художника увлекали поиски новых способов изображения. Вот несколько работ Халса 20-х годов.

Конечно это не были картины на заказ, может, даже просто этюды, но видели ли вы в живописи столько непосредственной радости? Вдруг понимаешь, что это искусство чаще всего очень серьезное, и даже веселые сюжеты — обычно просто постановка. Печаль, серьезность можно удерживать на лице на протяжении какого-то времени, а так смеяться, как этот мальчишка, можно всего несколько секунд. Такое выражение и с помощью современной камеры не всегда зафиксируешь. Про Халса писали, что он может поймать мгновенье на кончик кисти. Это легко сказать, но как схватить и удержать все сразу: смеющиеся рот, глаза, легкий поворот головы?

На картинах Халса свой мир, в котором живут герои, не обращая на нас внимания. Они часто смотрят не на зрителя, а на невидимого собеседника. У него даже заказные портреты не фронтальные, чаще всего люди словно обернулись на голос и замерли, сохранив непринужденную мимику. Его «Лютнист» перебирает струны и смотрит на слушателя: нравится ли ему? Так что, когда говорят, что его портреты сродни жанровой живописи, в этом есть доля правды.

«Цыганка»— одна из самых известных картин Халса. Этот потрет из Лувра называют еще «Молодая женщина». Мне она не кажется похожей на цыганку. Несмотря на декольте она не похожа и на проститутку, что предполагают другие. Скорее, это задорная девчонка-служанка из какого-нибудь трактира. Куда-то спешила, приостановилась, весело оглянулась. Волосы растрепались, рубашка съехала. Ну и ладно!

Здесь надо обратить внимание еще на одну особенность живописи Халса. Он прорабатывает лицо, а все остальное пишет крупными энергичными мазками. В то время художники стремились скрыть движение кисти, покрыв картины тонкой лессировкой, слоем жидкой краски. Поэтому его работы считали небрежными, незаконченными.

А после смерти их не то чтобы забыли, но не ценили вплоть до конца XIX века, когда Халса для себя открыли импрессионисты. Дело в том, что для них мазки стали важной составляющей языка живописи. Им восхищался Ван Гог, он писал брату: «Какое удовольствие рассматривать работы Франса Хальса, как же они отличаются от других картин — большинства из них, — где всё так тщательно приглажено и написано в одинаковой манере».

Образ этой девушки в 60-е годы пошлого века вдохновил харлемского певца и автора песен Леннарта Нейга на песню, ставшую популярной. Но он все перепутал, назвав песню про веселую девушку «Малле Баббе» по имени другой героини Халса — злобной старухи. У нее еще прозвище было «Харлемская ведьма». «Малле» по-голландски «Сумасшедшая». Говорят, она была пациенткой психиатрической больницы. А в другом месте пишут, что она — хозяйка харчевни, а ведьмой ее прозвали за сову на плече и злобный нрав.

Можно представить, какой поток ругани льется из ее искривленного рта! Этот момент ведь тоже надо поймать!

Изо всех женских портретов мне больше всех нравится Изабелла Койманс. Эта дочь крупного торговца тканями не только красива, но очень жива, непосредственна. Угадайте, на кого она смотрит с веселой, немного насмешливой улыбкой?

Вот на этого вялого мужчину с мясистым лицом, своего мужа — Стефана Герардтса, влиятельного человека в Харлеме. Он как бы нехотя поднимает руку, чтобы взять розу, которую она ему протянула. Перед нами 2 части парного свадебного портрета. Какие они разные! Мне стало тревожно за Изабеллу, даже попробовала поискать что-то о ее судьбе — не нашла. Известно, что сегодня их портреты находятся в разных местах. Стефан – в музее Антверпена, а Изабелла — в парижской коллекции Ротшильдов. Владельцы так стерегут ее, что не отправили на встречу с мужем на выставку, которую в 1962 году организовал музей Халса. Пришлось повесить фотографию.

В 20-30 годы у художника было очень много заказов. Он писал красивых, энергичных людей, к тому же очень нарядно одетых.  Но при этом каждый — индивидуальность. «Улыбающийся кавалер» излучает уверенность. А другой   скрестил руки на груди. Психологи говорят: это жест защиты. Смотрит как-то невесело и скептически. Но рукава выписаны тщательно, хотя, как мы знаем, одеждой Халс не особенно интересовался и обычно писал ее крупными мазками.

Позднее палитра Халса станет очень строгой: черное и белое. Но Ван Гог, его большой поклонник, насчитал на картинах 27 оттенков черного.

На эрмитажном портрете молодого человека с перчаткой изображен мужчина простой, но сильный и энергичный. Такие, наверное, и создавали процветание Голландии.

Рене Декарт (1596 — 1650) эмигрировал в Голландию из Франции в 1628 году, спасаясь от преследований иезуитов, обвинивших его в ереси. Здесь он жил 20 лет. Написал свои основные труды по физике, математике, философии. Какой у него живой и даже веселый взгляд на портрете Халса! А жилось ему и в Голландии нелегко. Протестанты тоже не любили вольнодумства. В 1650 он переехал в Швецию и скоро умер.

Виллема ван Хейтхейзена Халс писал не раз. Этот богатый купец завещал значительную часть своего состояния на создание в Харлеме хофье — богадельни, где потом и висел этот портрет. В XIX веке его купил музей в Брюсселе. Хофье существует и по сей день. На своем автопортрете 1850 года Халс выглядит усталым и измученным. Совсем не таким, каким его можно представить по его энергичной живописи. Впрочем, ему здесь почти 70. Он проживет еще 16 лет и умрет в бедности в богадельне. Несмотря на старость, работал до конца. Одна из последних работ — групповой портрет попечителей богадельни.

Ян Вермеер (1632 — 1675)

Если о жизни Халса мы знаем мало, то о его младшем современнике Йоханнесе (Яне) Вермеере и вовсе почти ничего. Он родился в Дельфте, основанном еще в XI веке. В XVII город переживал расцвет, потому что именно там делали лучший в Голландии бело-голубой дельфтский фарфор. Одна за другой открывались фабрики по его изготовлению. Но в 1654 году здесь произошел страшный взрыв пороховых складов, разрушивший большую часть города. Вермееру тогда было 22 года. Впрочем, Дельфт был быстро отстроен и свой облик XVII века сохранил до наших дней. Искусствоведы часто к имени художника прибавляют название его города, мы его знаем как Яна Вермеера Дельфтского.

Он родился в довольно богатой семье. Отец, Рейнир Янсзон, был каффверкером — мастером по изготовлению роскошного шёлкового бархата, caffa. У Вермеера-старшего был большой дом на центральной рыночной площади города, в котором, кроме жилья, была небольшая гостиница и таверна. А еще он продавал картины и вступил в гильдию Святого Луки как торговец произведениями искусства.

Его сын Ян вступит в это же объединение в 21 год, в 1653 году. Надо сказать, в Дельфте жило немало замечательных художников, но у кого учился живописи Вермеер, неизвестно.

В том же 1653 году он женился на Катарине Болнес, для чего ему пришлось перейти в католичество, иначе мать невесты, Мария Тинс, не давала согласия на брак. Властная женщина, похоже, она играла большую роль в жизни молодых, с 1660 года они жили в ее доме. Катерина родила 15 детей. На какие средства Вермеер содержал свою семью? Наверное, важна была поддержка богатой тещи, кроме того, он вместе с матерью управлял трактиром, который достался ему от отца. Возможно, торговал предметами искусства, слыл экспертом в этой области. Ну и еще писал картины — 1 — 2 в год. Всего известно 30 — 40 картин художника — в разных источниках цифры отличаются. Очевидно, он не работал на заказ, а картины продавал знакомым. Его сосед, чей дом тоже был на центральной площади Дельфта, — Питер ван Рюйвен владел 20 картинами художника. Говорят, впрочем, что главной ценительницей картин Вермеера была жена Питера, Мария.

Но картины стоили довольно дорого, а золотой век Голландии подходил к концу. В 1672 году началась война с Францией, потом с Англией. В такое время картины продать невозможно. И когда Вермеер умер в 1675 году, в 43  года, остались одни долги. Катарина напишет в дневниках, что «Ян умер, потому что стыдился разорения». Для погашения долгов  влова продала картины — в основном чужие, одежду, мебель. А потом про художника забыли на 2 столетия.

И только в середине XIX века его открыл французский журналист Теофил Торе-Бюргер, который в 1842 году в музее Гааги увидел поразивший его «Вид Дельфта». Картина была написана в манере, не похожей ни на одного голландского художника. Торе-Бюргер заинтересовался незнакомцем и начал искать его работы. Что его так поразило? Удивительно яркие, чистые краски, обилие света, причем естественного. Середина XIX века — время импрессионистов. Именно такая живопись им была близка.

Вермеер — самый солнечный голландский художник. И, хотя на этом городском пейзаже солнце зашло за облака, но вдали его лучи подсвечивает здания, да и берег канала выходит из тени. Кажется, если долго смотреть на картину, увидим, как солнце то прячется за облака, то выходит.

Когда говорят о жанре, в котором писал Вермеер, вспоминают бытовую живопись. Голландские художники любили изображать сценки из повседневной жизни, их хорошо покупали. В Дельфте жил один из великолепных мастеров бытового жанра Герард Тер Борх. И Вермеер поначалу тоже писал что-то в этом духе. Картины на тему продажной любви были и до его «Сводни». Но какая красивая пара — офицер в, протягивающий монетку и женщина, с удовольствием ее берущая! О содержании не очень задумываешься, потому что это сочетание красного и желтых пятен, красота ковра, лежащего у нее на коленях, просто завораживают. Такие большие пятна чистого цвета появятся только через 200 лет.

«Офицер и смеющаяся девушка»— тоже картина бытового жанра. Но и эмоции, и краски здесь более сдержанные. Появилась важная деталь, характерная для картин Вермеера — окно. Дневной свет из него освещает лицо девушки, Офицер, сидящий спиной, энергичен, но все наше внимание на спокойно сидящей девушке с легкой улыбкой на лице.

Кажется, для вступления в гильдию св. Луки он написал единственную картину на евангельский сюжет — «Иисус в доме Марфы и Марии». Мы помним, что из 2-х сестер Марфа суетилась по хозяйству, а Мария сидела у ног Христа и слушала его. И когда Марфа упрекнула сестру за бездействие, Христос сказал: «Марфа! Марфа! ты заботишься и суетишься о многом, а одно только нужно; Мария же избрала благую часть, которая не отнимется у неё.» Здесь жизни деятельной противопоставляется жизнь созерцательная, и она Вермееру явно ближе.

Я не помню, чтоб кто-то писал портреты спящих людей. А девушка у Вермеера мирно спит. Исследователи говорят: она пьяная. Вон на столе кувшин, явно с вином. Может, он и думал так поначалу, но пьяные выглядят иначе. У нее спокойный и тихий сон. Рентген показал, что прежде за ее спиной была фигура мужчины. Художник ее убрал. Возможно, так он уходил от бытового жанра к своей неповторимой тихой живописи.

Вот еще одна известная картина Вермеера — «Девушка, читающая письмо у открытого окна».  За ее спиной — стена, но при реставрации увидели, что под слоем краски там Амур, намек на любовную тему письма, а на столе — яблоки, символ грехопадения. Посчитали, что Амура зарисовал кто-то другой и восстановили его. Теперь у нее за спиной толстый голый пацан. Мне кажется, получилось пошло. Без него картина была такая атмосферная! Девушка совершенно погрузилась в чтение, кажется, ощущаешь тишину, окружающую ее.

Наверное, постепенно художник осознает, что его интересует не быт, а бытие. Вот молочница наливает молоко из кувшина. Она делает это так сосредоточенно и отрешенно, словно совершает какой-то обряд.

Мы видим опять любимые цвета художника: желтый и синий. Вермеер любил ультрамарин, краску, которую делали из лазурита. Это очень дорогой пигмент, художники использовали его бережно, а у Вермеера на картинах он присутствует почти всегда, и художник не приглушает его звучание добавлением темных красок.

А «Кружевница», склонившаяся над коклюшками, кажется, совсем растворилась в солнечном свете. И девушка такая серьезная и сосредоточенная, словно это не кружево а нить судьбы. Картины Вермеера надо рассматривать долго, и тогда попадешь в мир, полный тишины и гармонии. Его полотна сравнивают с медитацией.

«Девушка с жемчужной сережкой» — самая знаменитая картина Вермеера. Предполагают, что она была написана в 1665 году. Художник почти никогда не давал название своим картинам. Поэтому нее были разные имена: «Девушка в тюрбане», «Голова девушки в тюрбане», «Молодая девушка в тюрбане», «Голова молодой девушки». Утвердившееся сегодня название спорно: уж слишком большая жемчужина, да и блестит очень ярко, а жемчуг светится матово.  Скорее, это стекло, но его блеск при повороте головы привлекает наше внимание.

Здесь нет никаких интерьеров, только темный фон, а лицо словно светится само. Ее голову украшает головной убор любимых художником желтого и синего цветов. Девушка полуобернулась, взгляд направлен то ли на зрителя, то ли немного мимо, по крайней мере, в контакт с нами она не вступает, словно задумалась или замечталась. Это какой-то вечный образ юности вне контекста времени, загадка, которую все хотят разгадать, называя ее порой «Северной Моной Лизой».

У нас нет сведений, кто позировал художнику для его работ. Предполагают, что свои же, домашние. В 1999 году американская писательница Трейси Шевалье написала книгу «Девушка с жемчужной сережкой». Ее экранизировали, фильм номинировался на «Оскар».  Героиня — юная служанка.

О картине известно, что в 1881 году её купил на аукционе всего за 2 гульдена офицер голландской армии и коллекционер Арнольдус Андрис дез Томбе. Сегодня это около 30 долларов. После его смерти картину по завещанию получил музей Маурицхёйс в Гааге, где она находится и по сей день. Прежде «Девушку» часто вывозили на выставки в другие страны, но теперь объявлено что картина больше не покинет стен музея. Так за 100 лет она прошла путь от дешевого портрета до национальной драгоценности.

Следующая картина тоже имеет несколько названий: «Аллегория Живописи» «Искусство живописи», «Мастерская художника», «Художник и модель») — ок. 1666—1668. Считают, что он писал ее для себя лично, и картина висела в его мастерской.

За занавесом открывается комната, где художник пишет картину, а в глубине, у окна ему позирует молоденькая девушка в смешном венке, закутанная в кусок синей ткани. Внизу видно ее повседневное платье, очевидно, художник не собирается писать ее во весь рост. Девушка неловко держит книгу, желтую разумеется, и трубу. На столе — гипсовая маска. Из этого всего художник должен создать образ музы истории Клио. Скажете, пока не похоже? Но на то и художник, чтоб превратить обычную девушку в богиню. Мы пока не знаем, как он это сделает. На холсте только лавровый венок, символ доблести и благородства, которым Клио награждает героя. Но он работает уверенно и, наверное, картина уже сложилась в его голове.

История картин Вермеера в XX веке — настоящий авантюрный роман. Спрос на его работы был очень велик. Если находилась картина, она стоила бешеных денег.  И тогда на сцену вышел Хан ван Меегерен. Этот художник искренне восхищался Вермеером, некоторые его картины были написаны в стиле голландского художника. Но его называли неудачным подражателем. Тогда ван Меегерен взялся за доскональное изучение техники мастера, находил подлинные краски и холсты XVII века.

У него появилась цель: написать картину, которую можно выдать за подлинник голландского художника — и получилось. Лучшие эксперты подтвердили, что «Христос в Эммаусе» — неизвестное полотно Вермеера. Надо ли говорить, что он получил за него огромную сумму?  Всего он написал 6 картин «Вермеера», 5 из них находятся в музеях, одна исчезла. Известно, что картина «Христос и грешница» попала в коллекцию Геринга.

А когда после войны его судили за то, что он продавал достояние Голландии немцам, ван Меегерен, защищаясь, сказал, что это его работа. И в доказательство под присмотром написал еще одну.

Одна из настоящих картин Вермеера — «Концерт» была украдена 18 марта 1990 года из музея в Бостоне. О её судьбе до сих пор ничего не известно.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606 — 1669)

Рембрандт родился в городе Лейден в семье Хармена Герритсзона ван Рейна. Почему ван Рейн?  Дело в том, что его мельница находилась как раз на этой реке. Рембрандт был младшим из 9 детей. Может поэтому отец не стал принуждать его заниматься семейным бизнесом, а отдал в латинскую школу, после чего он стал студентом Лейденского университета, старейшего в Голландии, что было очень почетно. Но ожидания отца не оправдались: сын был равнодушен к учебе, его привлекала живопись. Что ж, ему опять пошли навстречу.  В 1619 году он стал учиться у местного живописца Якоба ван Сваненбурга.

А в 1623 года Рембрандт уехал в Амстердам, культурную столицу Голландии. Он занимается живописью под руководством Питера Ластмана, самого популярного художника Амстердама. Он был известен своими картинами на библейскую и мифологическую тему, что довольно странно в Голландии, где бюргеры предпочитали картины из повседневной жизни, а живопись из протестантских храмов была изгнана. Надо сказать, не только во время учебы, но и на протяжении всей жизни Рембрандт тоже будет писать картины на библейские сюжеты, причем много на темы из Ветхого Завета.

В картинах ученика и учителя есть много общего. Но в 1627 году картины Рембрандта резко меняются. Как раз в это время он решил вернуться в Лейден, и вместе с товарищем, Яном Ливенсом они начали работать самостоятельно. Кажется, больше всего у Ластмана их заинтересовал прием «кьяроскуро»- светлое-темное, которому тот научился во время поездки в Италию. В Риме тогда гремела слава молодого Микеланджело да Караваджо, который очень резко высвечивал  одни части картины, погружая другие во тьму.

Караваджизм разошелся по Европе, а у Рембрандта кьяроскуро сделается важной особенностью художественного языка. Рембрандт написал около 100 автопортретов, первые относятся как раз к этому периоду.

Интересно, даже в молодости он не писал женских портретов, а стариков — множество.

Как бы сложилась судьба молодых художников, если бы однажды в их мастерскую не зашел один очень важный человек?  В 1629 году их посетил секретарь принца Оранского Константин Гюйгенс. Он очень одобрил их полотна. Это придало Рембрандту уверенности, и в 1631 году он переехал в Амстердам. Поначалу он создал себе репутацию как портретист. Освещение на картинах более мягкое. Лица живые. Среди его заказчиков встречаются и очень именитые. Но подлинную славу Рембрандту принесет групповой портрет гильдии хирургов, получивший название «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632).

Мы уже видели коллективные портреты Халса, где офицеры  позируют в непринужденных позах. На картине Рембрандта они объединены общим занятием: глава гильдии хирургов Амстердама доктор Тульп проводит вскрытие трупа. Надо сказать, такие события случались нечасто, потому что вскрывать можно было только казненных преступников. Доктора очень внимательно следят за действиями хирурга, так что сценка получилась очень живой и что важно, всех хорошо видно.

С этой картины начнется счастливое десятилетие в жизни Рембрандта. Он успешен, в 1634 году женился на Саскии ван Эйленбюрх, обаятельной девушке из состоятельной семьи. Он много раз будет ее рисовать. Одна из самых известных картин того периода — «Автопортрет с Саскией на коленях». Это на редкость жизнерадостная картина. Счастливые молодые супруги. Но знаете ли вы, что на самом деле её название «Блудный сын в таверне» (1635).

Помните, когда герой евангельское притчи взял свою долю у отца и начал жить отдельно, он очень скоро прокутил все деньги и впал в нищету. Да, по голландским меркам, Рембрандт живет не экономно. В нем проснулся коллекционер. Он покупает картины, статуи, ткани, другие красивые вещи, которых так много привозят в амстердамский порт.

Говорит, что они нужны ему для работы. Иначе как бы он мог нарисовать Саскию в образе Флоры без этого великолепного куска шелка? В 1639 году супруги переехали в трёхэтажный дом по адресу Йоденбрестраат 4, в самом центре города. Правда, с хозяином они не торопятся расплатиться, но и он не волнуется: люди состоятельные, заплатят. У художника много заказов. Пишет он и портреты, и картины на библейские и мифологические темы.

«Жертвоприношение Авраама» — библейский сюжет. Бог, чтоб проверить, насколько ему предан Авраам, велел ему принести в жертву своего единственного сына Исаака. Тот, не раздумывая, стал выполнять этот приказ, и лишь в последнюю минуту ангел отвел его руку. На картине много движения — летящий ангел, развернувшийся к ангелу Авраам, летящий нож. Но ярко освещено не потрясенное лицо Авраама, а неподвижное тело Исаака. Может, дело в том, что в христианском богословии покорная жертва Исаака трактуется как предыстория жертвы Христа?

«Неверие Фомы» — уже воскресший Христос пришел к своим ученикам. Они безоговорочно согласились, что это и есть их недавно казненный учитель. И лишь Фома сказал, что не поверит, пока не вложит свои персты в рану, сделанную копьем.

Счастливую семейную жизнь Рембрандта и Саскии омрачали смерти их трех детей. И вот в 1641 году у них родился здоровый ребенок — сын Титус. В 1642 году Рембрандт получает большой заказ на групповой портрет гильдии стрелков. У нее длинное название: «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга». Но мы ее знаем как «Ночной дозор». Он возлагал большие надежды на это огромное полотно…

Но в это время тяжело заболела Саския, и 14 июня 1642 года она умерла, не дожив до 30 лет. Рембрандт остался один с маленьким сыном. Начались и творческие проблемы.  Если «Урок анатомии», с которого его удача началась, имел большой успех, то «Стрелковая рота» вызвала недоумение.

Во-первых, обиделись заказчики: они платили деньги поровну, а у некоторых виден только нос.  Кто-то даже потребовал деньги назад. Мало того, их было всего 18, а на картине полно посторонних людей, которые ничего не платили. Что это за ярко освещенная девчонка в золотом платье с петухом в руках?  Но посмотрите, это же лицо Саскии, которая тогда умирала, а, может, уже умерла.

Широкой публике картина тоже была непонятна. Но если мы сегодня назовем имя Рембрандта, то большинство в первую очередь вспомнит его «Ночной дозор». Чем он привлекает? Возможно, живостью, динамизмом. Только что объявили о построении, бьет барабан  через несколько минут они станут единой ротой, но пока каждый еще не утратил своей индивидуальности. А мерцающие здесь и там вспышки света выхватывают лица и усиливают ощущение стихийного движения.

Эжен Фромантен, автор замечательной книги «Старые мастера», написал о картине так: «Свет здесь сверхъестественный, беспокоящий, искусственный. Он словно излучается изнутри наружу, растворяя освещаемые им предметы.» Картина ему не понравилась, но мы запомним его слова о том, что художник: «осветил реальную сцену нереальным светом, то есть придал факту возвышенный характер видения».

У картины сложная судьба. Сначала она висела в здании стрелкового общества, потом ее перенесли в ратушу, для чего обрезали по краям — иначе не помещалась.  Ее повесили напротив камина, так что со временем «Ночной дозор» покрылся копотью. В 1885 году он оказался в отдельном зале Рейксмюсеума в Амстердаме. В XX веке картину отреставрировали и стали говорить, что действе здесь происходит днем.

Она стала ярче, правда, дня я все равно не вижу. Можно рассмотреть, как картина была обрезана. Читаю, что идет новая реставрация, с помощью ИИ думают восстановить ее в полном размере. На картину тоже не раз нападали: резали ножом, поливали кислотой. Но пока не нанесли ей сильного вреда.

После «Ночного дозора» большинство учеников от него ушли, заказов стало меньше. Похоже, Рембрандт разошелся с современной публикой. Люди хотели полотен более «прилизанных» с тщательной проработкой деталей, красивым бархатом и кружевом, как у ван Дейка. А Рембрандт с годами стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, на новом уровне возвращаясь к поискам времен своей молодости.

Материальное положение его постепенно ухудшалось. В 1656 году он был объявлен банкротом, в 1657–1658 годах, имущество Рембрандта и художественная коллекция были распроданы с аукциона.

Как относился Рембрандт к перемене своей жизни?  По крайней мере, работать не стал меньше. Он часто пишет автопортреты, конечно, не для того, чтоб запечатлеть себя в наилучшем свете, это что-то вреде дневника.

Лицо стареет, одежда становится все более бедной. Но взгляд всегда остается твердым. Художник создает много портретов. Правда, заказных среди них мало. Чаще это бедные люди. Много стариков. Рембрандту всегда были интересны лица, на которых можно прочитать историю жизни. Она у них невеселая, но лица излучают свет. Тем самым рассказ о печальной старости преображается в повесть о достойно прожитой жизни.

В 40-е годы художник дописал картину, которую начал еще в 1636 — «Даная». Отцу девушки — Акрисию предсказали, что он погибнет от руки внука. Чтоб этого не произошло он запер Данаю в башне, где ее никто не смог бы увидеть. Но Зевс проник к ней в виде золотого дождя. Родился герой Персей. Он совершит много подвигов. А дедушку все же убьет, хоть и нечаянно.

Считают, что Рембрандт писал Данаю с Саскии. А, когда стал доделывать, придал ее лицу сходство с няней сына Титуса — Гертье Диркс.

Ее трудно назвать красивой. Народ, проходя мимо нее в Эрмитаже усмехается: некрасивая, немолодая. Но ее лицо светится ожиданием чуда. И оно произойдет. Такая очень женская история.

Картина «Даная» тоже пережила трагедию: 15 июня 1985 г. в «Эрмитаже» литовский безработный Бронюс Майгис сначала полоснул картину «Даная» ножом, а затем облил ее серной кислотой. «Даная» 12 лет была на реставрации. Теперь снова выставлена для просмотра, хотя следы остались.

Еще одна работа из Эрмитажа — «Святое семейство» (1645). В глубине отец что-то мастерит. Мать склонилась над ребенком. Бытовая сценка? Вверху ангелы, это намекает на евангельский сюжет. Но, если бы их и не было, мы все равно почувствовали одухотворенность этой сцены, так светится лицо Марии, склонившейся над младенцем-Христом.

Считают, что Марию он писал с Хендрикье Стоффелс, которая с 1647 года начала работать служанкой в доме у Рембрандта. Она будет смотреть за Титусом.  Они жили одной семьей, хотя Рембрандт так и не женился на ней. Дело в том, что, по завещанию Саскии, в случае его повторного брака Титус будет лишен наследства.

Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство»,  в 1654 году у них с художником родилась дочь Корнелия. Она вместе с Титусом будет вести дела разорившегося Рембрандта, спасая его от кредиторов до самой ее смерти в 1663 году.

Считается, что один из ангелов в «Святом семействе написан с Титуса, которого он тоже много рисовал.

10 февраля 1668 года Титус женился на Магдалене ван Лоо, дочери друга Рембрандта. 4 сентября 1668 года, спустя всего несколько месяцев, он умер, прожив даже меньше, чем его мать.

Рембрандту оставался год жизни. И в это время он пишет самую потрясающую свою картину «Возвращение блудного сына». Вот как написано в евангельской притче о возвращении сына: «И когда он был еще далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его». Он устроил праздник в честь возвращения сына, а когда второй, который вел правильную жизнь,  трудился, обиделся на отца, что тот в честь него никогда не устраивал таких праздников, тот ответил: «Сын мой! ты всегда со мною, и всё мое твое, а о том надобно было радоваться и веселиться, что брат твой сей был мертв и ожил, пропадал и нашелся.»

В молодости Рембрандт писал себя в образе сына, весело прожигающего жизнь. Сегодня его интересует образ отца.

И речь идет не о прощении, а о любви, которая выше прощения. Как обычно, часть фигур почти скрыта в темноте, а золотой свет обволакивает фигуру отца и прижавшемуся к нему грязного, в лохмотьях сына.

Фромантен писал: «Вся художественная деятельность Рембрандта вращается около этой неотвязно преследующей его идеи — писать только с помощью света и рисовать только посредством света».

История живописи колеблется между двух полюсов: духовной живописью средневековья и реализмом нового времени. Но Рембрандт, может, единственный, кто сумел соединить довольно суровый реализм с высокой духовностью. И в этом его величие.